ElEfectoKulechovPuntoCom

"LA DAMA DE HIERRO" DE PHYLLIDA LLOYD

2012-01-13T14:04:00.001+01:00

Por ElEfectoKulechovPuntoCom.

Cuando ya nadie se acordaba de la figura de Margaret Tacher, La Dama de Hierro, sobre todo ahora que ya se ha visto obligada a retirarse de la vida pública por su acuciante demencia senil, va y Phyllida Lloyd (la directora de "Mamma Mía") se embarca en este biopic destinado a levantar ampollas sea cual sea su enfoque. Incluso hay quien no encuentra adecuado que una de las mejores actrices de todos los tiempos, Meryl Streap, sea la encargada de caracterizarla por su origen estadounidense. Sea cual sea su origen seguro que la Streap se marca un puro y académico acento inglés que ni los filólogos de lengua inglesa de Oxford y Cambrige consiguen modular. En mi opinión es el papel idóneo para ella, experta en encarnar biopics de mujeres que ademas le han llevado hasta lo más alto. La nominación a los Oscar está asegurada, con esta serán ya 14 en el apartado de Mejor Actirz.

Sinopsis / “La Dama de Hierro” es una película sobre la vida de Margaret Thatcher, ex primera ministra británica. Ahora, a sus 80 años de edad, se encuentra desayunando en su casa de Chester Square en Londres. A pesar de que su marido, Denis, falleció hace un par de años, la decisión de deshacerse finalmente de su ropa, provoca en ella recuerdos convulsos. Mientras Thatcher se prepara para su rutina diaria, la imagen de su marido —leal, cariñoso y travieso— es tan real que parece estar vivo. El personal de Margaret habla con Carol Thatcher para expresar su preocupación sobre la creciente confusión que sufre su madre entre el pasado y el presente. Esta preocupación aumenta durante una cena en la que Margaret cautiva a sus invitados para poco después distraerse ante las memorias de la noche en la que conoció a Denis, hace 60 años. Una vez que los invitados se han marchado, Margaret se retira a sus aposentos, pero no logra dormir. Se levanta, desempolva unas viejas películas caseras y se dispone a mirarlas, reflexionando así sobre los sacrificios personales que hizo para alcanzar sus objetivos profesionales. Al día siguiente, Carol convence a su madre para ver a un doctor. Margaret insiste en que no le ocurre nada. Al doctor no le revela los intensos recuerdos de su pasado, que ahora invaden sus días. En Chester Square, Margaret lucha contra la marea de recuerdos que le asolan. Termina de guardar las pertenencias de Denis y reafirma su independencia. Seguirá viviendo con sus memorias, pero se da cuenta de que tiene una vida en el presente. Una vida más sencilla pero que merece la pena seguir viviendo.

Ficha Técnica / Película: La Dama de Hierro. Título original: The Iron Lady. Dirección: Phyllida Lloyd. País: Reino Unido. Año: 2011. Duración: 105 min. Género: Biopic, drama. Interpretación: Meryl Streep (Margaret Thatcher), Jim Broadbent (Denis Thatcher), Richard E. Grant (Michael Heseltine), Iain Glen (Alfred Roberts), Anthony Head (Geoffrey Howe), Roger Allam (Gordon Reece), Alexandra Roach (Margaret Thatcher joven), Harry Lloyd (Denis Thatcher joven). Guion: Abi Morgan. Producción: Damian Jones. Música: Thomas Newman. Fotografía: Elliot Davis. Montaje: Justine Wright. Diseño de producción: Simon Elliott. Vestuario: Consolata Boyle. Distribuidora: Wanda Visión. Estreno en Reino Unido: 6 Enero 2012. Estreno en España: 5 Enero 2012. Calificación por edades: Apta para todos los públicos.

LA VIÑETA DE SARA: "ATTACK OF THE 50 Ft. WOMAN

2012-01-11T01:47:00.000+01:00

La Viñeta de Sara.
Año nuevo, sección nueva. Inauguramos 'La Viñeta de Sara', una nueva sección en la que queremos recuperar ese estrecho lazo que el cine siempre a tenido con el arte plástico. Todos recordamos los desaparecidos carteles gigantes pintados a mano que anunciaban los grandes estrenos en las salas de cine y que ya, prácticamente todos, han sido sustituidos por ~~horrorosos~~ paneles de leds luminos. Bueno, pues en este blog queremos seguir homenajeando al cine en 'La Viñeta de Sara' donde, como su nombre indica, Sara Ochoa Calvo (nuestro último y altruista fichaje) nos brindará mensualmente un cartel o fotograma pintado a mano para gozo y disfrute de todo buen amante del cine.
Y para abrir boca que mejor que un homenaje a una película mítica de serie B, "ATTACK OF THE 50 Ft. WOMAN" (El ataque de la mujer de 50 pies) que allá por 1958 y con dirección de Nathan Juran hizo las delicias de los amantes de la ciencia-ficción.

Sinopsis / Una sufrida ama de casa (Allison Hayes) se cruza en el camino de unos extraterrestres del espacio exterior... que la hacen crecer y crecer hasta los 50 pies de altura. Un film de culto de serie B, delirante, pre-feminista y con el encanto de los clásicos de ciencia-ficción de los años cincuenta.

Ficha Técnica / titulo original: "Attack of the 50 Ft. Woman" de Nathan Juran / país: USA / año: 1958 / duración: 66 min. / género: ciencia-ficción / guión: Mark Hanna / música: Ronald Stein / fotografía: Jacques R. Marquette (B&W) / reparto: Allison Hayes, William Hudson, Yvette Vickers, Roy Gordon, George Douglas, Ken Terrell / productora: Allied Artists /

CINEFILIA: LICENCIA PARA MATAR

2012-01-10T19:08:00.000+01:00

Por ElEfectoKulechovPuntoCom.
Este documento forma parte de la galería de freaks que pueden generarse en torno a una película mítica de la historia del cine. Nunca se ha sabido si realmente Robert A. De Niro se sacó la licencia de taxista como parte de su consabido metodo Stanislavski utilizado en la reconstrucción de sus personajes, o por el contrario solo se trata de una muy buena falsificación de coleccionista. Personalmente si que me creo que De Niro fuese capaz de sacarse la licencia para probar el oficio de taxista y meterse en la piel del mítico 'Travis Bickle' en "Taxi Driver" de Martin Scorsese (1976), recuerden que en 1980 engordó 30 kilos para interpretar a Jack LaMotta en "Toro Salvaje", así que lo de pasearse por New York con el codo apoyado en la ventanilla despachando pasajeros sería pecata minuta para él.

"EL HAVRE" DE AKI KAURISMÄKI

2012-01-10T11:17:00.001+01:00

Por ElEfectoKulechovPuntoCom.
"El Havre" es una de las pelis de 2011 que no hay que perderse, aunque solo sea por pertenecer a uno de los directores más personales del panorama independiente europeo, Aki Kaurismäki. Su paso por los festivales ha dejado huella entre la crítica especializada y el público en general, cosechando reconocimientos en Francia . "El Havre" es una película divertida, optimista, solidaria e ingeniosa a la vez, lo que la convierte en una verdadera joya, sobre todo si destacamos ese sentido del humor desarrollado en las situaciones mas absurdas que sus peculiares personajes recrean con encantadora sencillez, desde sus marginadas y excentricas vidas. "El Havre" no defraudará a los adeptos de Kaurismäki.

Ficha Técnica / Película: El Havre. Título original: Le Havre. Dirección y guion: Aki Kaurismäki. Países: Finlandia, Francia y Noruega. Año: 2011. Duración: 93 min. Género: Comedia dramática. Interpretación: André Wilms (Marcel Marx), Kati Outinen (Arletty), Jean-Pierre Darrousin (Monet), Blondin Miguel (Idrissa), Elina Salo (Claire), Evelyne Didi (Yvette). Producción: Aki Kaurismäki, Fabienne Vonier y Reinhard Brunding. Fotografía: Timo Salminen. Montaje: Timo Linnasalo. Diseño de producción: Wouter Zoon. Vestuario: Frédéric Cambier. Distribuidora: Golem. Estreno en Finlandia: 9 Septiembre 2011. Estreno en España: 28 Diciembre 2011. Calificación por edades: Apta para todos los públicos.

Sinopsis / Marcel Marx, escritor y conocido bohemio, se ha autoexiliado en la ciudad de El Havre, donde siente que está más cerca de la gente después de adoptar el honrado —aunque no muy provechoso— oficio de limpiabotas. Ha enterrado el sueño de convertirse en un reconocido autor y vive felizmente dentro de un triángulo compuesto por su bar preferido, su trabajo y su esposa Arletty. Pero el destino provoca que se cruce con un inmigrante menor de edad llegado del África negra. Arletty cae enferma, y a Marcel no le quedará más remedio que alzarse una vez más ante el frío muro de la indiferencia humana con su optimismo y la solidaridad de los habitantes del barrio como únicas armas. Pero se enfrentará a la maquinaria ciega de un Estado constitucional, representado por la policía, que sigue la pista al joven refugiado. Ha llegado el momento de que Marcel se lustre los zapatos y enseñe los dientes.

- Premio Louis-Delluc a la Mejor Película Francesa
- Premio de la Crítica Internacional de Cannes

TODO EL CINE VISTO EN 2011

2012-01-05T18:26:00.000+01:00

La Opinión de... LEOmuñoz.
Llega fin de año y con él las interminables listas que agrupan los films del año por su valoración, color, duración, tamaño de los créditos, las veces que dicen un taco en cada escena y otras diversas formas de clasificar lo que el cine nos ha dado durante el 2011. Todo esto siempre está sujeto a los gustos del individuo en cuestión que elabora la lista, ya sea el quiosquero de la esquina o la agrupación de la crítica de cine internacional. Bueno, pues yo no voy a ser menos y lanzo mi lista de las 10 mejores pelis de 2011 simplemente por el gozo y disfrute de la propia confección de la lista, además así aprovecho y hago balance del año. Aquí van las 10 mejores según mi criterio:
1.- "Drive"
2.- "Nader y Simin, una separación"
3.- "Valor de Ley"
4.- "Un Dios Salvaje"
5.- "El Árbol de la Vida"
6- "Incendies"
7.- "Cisne Negro"
8.- "No Habrá Paz para los Malvados"
9.- "Eva"
10.- "Blackthorn"

LO MÁS DESTACADO EN 2011
Algunas de ellas no he tenido la oportunidad de verlas pero las rescataré en dvd, o me pasaré por el cine en cuanto comience el año, como por ejemplo con "Melancolía", "The Artist" y "Le Havre" que están ahora en cartelera.
Se puede decir que el siguiente listado es la NBA del cine mundial o la PREMIER LEAGUE o LA CRÈME DE LA CRÈMME, incluidos algunos títulos del festival de San Sebastián que todavía no se han estrenado, ni sé si tienen distribución en España como "Le Skylab" de Julie Delpy, "Shame" de Steve McQueen, "Sangue do meu Sangue" de Joäo Canijo o "The Deep Blue Sea" de Terence Davis, "Take this waltz" de Sarah Polley y algún otro título que se me escapa en estos momentos. A estos acompañan títulos tan indiscutibles como "Nader y Simin, una separación" de Asghar Farhadi, "Valor de Ley" de los hermanos Coen, "Un Dios Salvaje" de Roman Polanski, "El Árbol de la Vida" de Terence Malick, "Incendies" de Denis Villeuneve, "Cisne Negro" de Darren Aronofski, "L'illusioniste" de Sylvaine Chornet, "No Habrá Paz para los Malvados" de Enrique Urbizu, "Eva" de Kike Maillo, "Blackthorn" de Mateo Gil, "Drive" de Nicolas Winding Refn o "Tyrannosaur" de Paddy Considine.

LA GRAN DECEPCIÓN DEL 2011

"Verbo" de Eduardo Chapero Jackson.
El cortometrajista más brillante del panorama cinematográfico nacional la caga bien cagada en su salto al largo. Después de firmar los tres cortometrajes ("Contracuerpo", "Alumbramiento", "The End") más premiados de la historia del cine español e incluso llegar a proyectarlos a las vez, a modo de trilogía, en salas de Madrid y Barcelona, su paso al largo ha sido nefasto, filmando un subproducto dirigido a los más jóvenes a modo de ciencia-ficción graffitera-rapera con uno de los actores más comerciales y desafortunados del momento (Miguel Ángel Silvestre). Lo peor de todo las interpretaciones de todos los actores, incluso mi amada Najwa Nimri parece una caricatura de si misma. Un film para olvidar, y cuanto antes mejor.

MI GRAN ERROR DE 2011

"Pina 3D" de Win Wenders.
Lo confieso, salirme en plena proyección de "Pina", en el Principal, y dentro de la Sección Oficial del Festival de Cine de San Sebastián es más que un sacrilegio y no tiene excusa, aunque ya llevásemos cinco películas a nuestras espaldas y mucho sueño arrastrado de días anteriores. Esto unido a mi total desconocimiento del mundo de la danza y en especial de la figura de Pina Bausch puede que rebaje mi pena de 500 a 300 latigazos.

TODO EL CINE VISTO EN 2011
Durante este año el balance total de películas vistas (ya sean estrenos en cine, o rescates en dvd de otros años) ha sido más que positivo. En total mi cerebro a procesado imágenes de 52 largometrajes y 230 cortometrajes. De ente todos ellos 14 largometrajes he visto en mi casa y por supuesto los cortometrajes también (dentro de la tarea de selección del festival de cortometrajes CORT...EN), el resto los he disfrutado en una sala de cine como Dios manda. A continuación la soporífera lista con un pequeño comentario de todos los largometrajes vistos durante 2011:

1.- "LAS VIDAS POSIBLES DE MR. NOBODY" de Jaco Van Dormael, vista en dvd: un film de ciencia-ficción prometedor que no llega a ninguna parte y que además le sobra metraje.

2.- "KICK ASS" de Matthew Vaughn, vista en dvd en casa: comedia gamberra convertida en film de culto gracias a su estética setentera y a su banda sonora, atentos también al vocabulario de los protagonistas, sobre todo de la niña.

3.- "BIUTIFUL" de Alejandro González Iñárritu, vista en Cines Arcca (jueves 3 de febrero): desesperanza y desgarro del alma filmado magistralmente en la Barcelona más desconocida y pobre. Javier Bardem enorme, interpretación estratosférica que pasará a los anales de mi historia cinéfila.

4.- "NAUSICAA DEL VALLE DEL VIENTO" de Hayao Miyazaki, vista en dvd: saldando deudas pendientes con el maestro Miyazaki, todavía me falta la mítica "Mi vecino Totoro".

5.- "TAMBIÉN LA LLUVIA" de Icíar Bollaín, vista en cines Arcca en sesión de 22:30 h (09/02/2011): film multipremiado y destacado de la cantera española, aunque su guión es bastante superficial, todo el mérito reside en el magistral rodaje en tierras bolivianas, incluidas las localizaciones. Cine-denuncia y cine dentro del cine con la magistral interpretación de Karra Elejalde como Cristóbal Colón.

6.- "127 HORAS" de Dany Boyle, vista en dvd (16/02/2011): patiburrillo videoclipero rodado por National Geographic, eso sí, impactantes imágenes para no aburrir al espectador, incluida la amputación radiografiada del brazo del protagonista. Es la copia barata de "Buried"

7.- "CISNE NEGRO" de Darren Aronofsky, vista en cines Arcca (23/02/2011) en sesión de 22:30: me arrodillo ante el maestro Aronofsky, no solo por esta masterclass de técnica de rodaje sino por su seria filmografía (dentro de la senda indie). Pi, Requiem por un sueño, La fuente de la vida, El luchador y Cisne negro, no te perdemos de vista Darren.

8.- "BURIED" de Rodrigo Cortés, vista en dvd de alquiler en mi casa (viernes 25/02/2011): una obra maestra del suspense minimalista, a la altura del venerado Alfred Hitchcock, filmado por una más de los 'enfants terribles del cine español que emigran para hacer las américas. El talento cinematográfico necesita de una industria cinematográfica que lo mime y aquí morirían de hambre.

9.- "PAN NEGRO" de Agustí Villaronga, vista en dvd de alquiler en mi casa: la enésima (es un decir seguro que hay muchas más) producción cinematográfica sobre la sobrexplotada guerra civil española, eso sí cine de altura y de calidad pero puede que a más de uno le dé mala gana ir a verla.

10.- "VALOR DE LEY" de los hermanos Coen, vista en cines Arcca (28-02-11) en sesión de 22:30 h: posiblemente la mejor peli de 2011, o por lo menos una de las tres mejores del año. Los hermanos Coen fuera de sí.

11.- "LA RED SOCIAL" de David Fincher, vista en dvd (viernes 04/03/2011): el maestro Fincher crea una magistral trama que ni el mismísimo "Topo", en relación a un hecho en principio tan insignificante como la creación de una red social. Luego resultó que la personalidad del creador de Facebook da para escribir siete tomos de 'como nunca debes tratar a alguién cara a cara'.

12.- "EL DISCURSO DEL REY" de Tom Hooper, vista en cines Arcca (miércoles 09/03/2011): típica producción concebida para al menos ser nominada en los Oscar de Hollywood, sin desprestigiar la magistral interpretación de Colin Firth que debido a la imposición del doblaje en España todavía no he podido saborear. La rescataré en dvd para disfrutar de verdad de la versión original, sobre todo con el incombustible Geoffrey Rush.

13.- "EN TIERRA HOSTIL" de Kathryn Bigelow, vista en dvd (lunes 21 de marzo de 2011): tenía que quitarme el gusanillo del estómago por comprobar que película le había arrebatado el regocijo de recoger un Oscar al autoproclamado rey del mundo, James Cameron. No fue para tanto, yo creo que hollywood con este premio quiso homenajear al soldado americano muerto en inútiles batallas.

14.- "ANVIL, EL SUEÑO DE UNA BANDA DE ROCK" de Sacha Gervasi, visto en dvd el lunes 21 de marzo de 2011: un documental entrañable sobre los inicios del Heavy Metal con mayúsculas y sobre el amor que profesan sus adeptos a este género musical convertido en una forma de vida, ¡el heavy nunca muere!

15.- "DESTINO OCULTO" de George Noifi, visto en cines Arcca en sesión de 22:45, sala 7, miércoles 23 de marzo de 2011: producto comercial al servicio y lucimiento del prota Matt Damon, aunque la mezcla de lo sobrenatural y lo romántico tiene su gracia.

16.- "MIDNIGHT IN PARIS" de Woody Allen, vista en cines Arcca: preciosa y romántica comedia del maestro Woody Allen que homenajea al París de los años 20 en todo su esplendor artístico. Curioso ver a Adrian Brody en la piel de Salvador Dalí.

17.- "X-MEN, PRIMERA GENERACIÓN" de Matthew Vaughn, vista en cines Arcca: se hace evidente que la mano de Bryan Singer sobrevuela el proyecto, aunque sea desde la butaca de productor. Sin duda la mejor adaptación del cómic hasta la fecha, diseño de producción incluido y sobre todo ese maravilloso Fassbender en el papel de Magneto, se como la pantalla.

18.- "BLACKTHORN" de Mateo Gil, vista en cines Arcca, en sesión de 22:45, el jueves 04 de agosto de 2011: como todo el mundo ha dicho hasta la saciedad, un western crepuscular en toda regla y maravilloso homenaje a esos personajes tan míticos como Butch Cassidy y Sundace Kid.

19.- "THE FIGHTER" de David O. Russell, vista en dvd: más que correcta adaptación de una historia basada en la vida real del boxeador Micky Ward "el irlandés" y su hermanastro mentor, entrenador y drogadicto Dicky Eklund, encarnado magistralmente por Christian Bale, verdadero pilar del film.

20.- "THE DEEP BLUE SEA" de Terence Davis, en el teatro Principal de San Sebastián, el domingo 18 de septiembre de 2011, en sesión de 16:30 y dentro de la sección oficial del Donostia Zinemaldia: Rachel Weisz podía haberse llevado tranquilamente el premio a la Mejor Actriz del festival de cine de San Sebastián al interpretar magistralmente a Herster Collier, una mujer que lleva una vida privilegiada como esposa de un juez del Tribunal Supremo, pero para asombro de todos los que le rodean deja a su marido para irse a vivir con un joven ex-piloto de la RAF del que se ha enamorado profundamente.

21.- "GIRIMUNHO" (Remolino / Brasil) de Helvécio Marins Jr. y Clarisa Campolina, visto en el teatro Principal de San Sebastián, domingo 18 de septiembre de 2011, dentro de la sección Zabaltegi -Nuevos Directores- del Donostia Zinemaldia: es la peli de la que nos teníamos que haber salido, nuestro instinto no está lo suficientemente entrenado como para detectar estos truños a tiempo.

22.- "SHAME" de Steve McQueen (Reino Unido), visto el domingo 18 de septiembre en el teatro Principal a las 00:00 h. dentro de la sección Zabaltegui Perlas de Otros Festivales: descenso a los infiernos de su protagonista, Michael Fassbender ("Hunger", "X-Men: Primera Generación", "Jane Eyre"), un yuppi neoyorquino adicto al sexo, incapaz de relacionarse con nadie con el que no pueda practicar sus mas oscuras fantasías sexuales. Un film que sorprende por la contundencia de las escenas sexuales y por la interpretación de su protagonista masculino, Copa Volpi al Mejor Actor en La Mostra de Venecia.

23.- "ARRUGAS" de Ignacio Ferreras (España), visto en el teatro Principal de San Sebastián, lunes 19 de septiembre a las 9:30 h.: es la perla de animación de esta edición del festival de San Sebastián, tan emocionante como sensible, te llega al corazón mucho antes que si los personajes fueran de carne y hueso. Estreno previsto para el 12 de enero de 2012.

24.- "LOS PASOS DOBLES" de Isaki Lacuesta (España), visto en el Kursaal-1, el lunes 19 de septiembre a las 12:00 h. dentro de la sección oficial del Donostia Zinemaldia: su deslavazada puesta en escena y sus, en ocasiones pintorescas, por no decir ridículas secuencias no aclaran la dirección del guión y el espectador parece navegar por tierra de nadie intentado dilucidar si lo que ve es un engendro de western documental o una sátira ficción sobrenatural salpicados por las pinceladas (magistrales) de un observador al margen del metraje llamado Mikel Barceló.

25.- "PINA" (3D) de Win Wenders, visto en el teatro Principal de San Sebastián, dentro de la sección oficial de la 59ª Edición del Festival de Cine de San Sebastián, lunes 19 de septiembre de 2011 en sesión de 16:30. Mi total desconocimiento del mundo de la danza y de la figura de Pina Bausch me condiciona excépticamente a la hora del pase de este documental y si ha esto sumamos la acumulación de sueño atrasado y el cansancio el resultado se torna evidente, tocata y fuga. Aun así aprecié el mejor efecto 3D jamás visto en una sala, se puede decir que por una vez la técnica se puso al servicio del arte. Creo que cometí un grave error saliéndome de esta proyección, nunca me lo perdonaré.

26.- "LE SKYLAB" de Julie Delpy (Francia), visto en el teatro Principal de San Sebastián el lunes 19 de septiembre en sesión de 19:30. Premio Especial del Jurado del Festival de San Sebastián para esta comedia coral dirigida por la actriz francesa Julie Delpy que se desenvuelve con la cámara como si lo hubiera hecho toda su vida, y más teniendo en cuenta que en este film aparecen en la misma escena y con bastante frecuencia una media de 15 actores, logrando captar la naturalidad de un encuentro familiar masivo alrededor de una mesa, donde los comensales charlan por grupitos y la cámara pasa de unos a otros escuchando sus historias y perfilando las personalidades de cada uno de los presentes, sino también por ser capaz de plasmar una época tan añorada y fructífera (por lo menos para mi) como fue el comienzo de los 80.

27.- "KISEKI" de Hirokazu Kore-eda (Japón), visto a las 9 de la mañana del martes 20 de septiembre en el teatro Victoria Eugenia y dentro de la sección oficial del festival de cine de San Sebastián: El Premio al Mejor Guión en el festival de cine de San Sebastián sabe a poco para muchos cinéfilos que apreciaron la dificultad del maestro Kore-eda en la filmación de esta comedia dramática en el que los protagonistas son los niños, logrando llegar a un nivel de naturalidad e ingenuidad nunca antes vistos.

28.- "EXTRATERRESTRE" de Nacho Vigalondo (España), visto en el teatro Principal de San Sebastián el martes 20 de septiembre a las 14:00 h. Después de tener un corto seleccionado a los Oscar y de saltar al largo con "Los Cronocrímenes", Vigalondo, la eterna promesa del cine español se marca una comedia con tintes fantásticos que te hará pasar un buen rato en el cine, aunque ese final lo podríamos cambiar por completo.

29.- "HAPPY END" de Björn Runge (Suecia), visto en sesión de las cuatro de la tarde, el martes 20 de septiembre, en el Kursaal-1 y dentro de la sección oficial del festival de cine de San Sebastián: disección de la salud mental de la sociedad sueca con luz al final del túnel incluida.

30.- "LA VOZ DORMIDA" de Benito Zambrano (España), visto en el teatro Principal de San Sebastián en sesión de 19:30, el martes 20 de septiembre: la enésima película española desarrollada antes, dentro o después de la guerra civil española, digo enésima porque uno se los temas más recurrentes de los directores españoles para sus películas es la época de la posguerra. Para colmo "La Voz Dormida" podría haberse titulado "Trece Rosas 2", sin desmerecer ninguno de los films, pero es que cuentan dos historias, por supuesto reales, calcaditas. Aunque mi falta de entusiasmo ante este film sea evidente tengo que reconocer que es de una factura impecable y que la interpretación de ambas protagonistas (María León Concha de Plata a la Mejor Interpretación Femenina en San Sebastián) es magistral, además de que llega al corazón sin posibilidad de escape, pero repito es "Trece Rosas 2".

31.- "ABRIR PUERTAS Y VENTANAS" de Milagros Mumenthaler (Argentina), visto en el Principal, el martes 20 de septiembre, en sesión de 22:00 h. y dentro de la sección Horizontes Latinos del festival de cine de San Sebastián: tediosa, simple y monótona representación de la vida de tres hermanas jóvenes que se quedan solas en la casa de su abuela tras la muerte de ésta hace unos meses.

32.- "NADER Y SIMIN, UNA SEPARACIÓN" de Asghar Farhadi (Irán),
Oso de Oro a la Mejor Película y Oso de Plata al Mejor Actor y Actriz en la Berlinale. El film cuenta como se complican las cosas en la vida de Nader cuando se ve obligado a contratar a una mujer para que cuide de su padre enfermo de alzheimer al separarse de su esposa e irse a vivir ésta con su madre. Todo se derrumba cuando la hija de ambos se ve involucrada en la maraña de mentiras y manipulaciones que los adultos tejen a su alrededor, todo el mundo oculta algo en su interior por lo que avergonzarse. Fiel reflejo de la actual sociedad iraní y en concreto de la situación y el papel que las mujeres tienen o les dejan tener en este país, sin por supuesto ser un film de denuncia de ningún tipo.

33.- "11 FLOWERS" de Wang Xiaoshuai (China), visto en el Kursaal-1, a las 12:00, el miércoles 21 de septiembre y dentro de la sección oficial del festival de cine de San Sebastián: la sensibilidad del director Xiaoshuai a través de los ojos de un niño en el final de la época de Mao Zedong.

34.- "SANGUE DO MEU SANGUE" de Joäo Canijo (Portugal), visto en el Kursaal-1, a las 16:00, el miércoles 21 de septiembre y dentro de la sección oficial del festival de cine de San Sebastián. Recorrido por los suburbios de Lisboa a través de una familia cuya madre lucha a su manera para que los suyos salgan a flote. Atentos a los encuadres desde donde Joäo Canijo decide grabar cada toma.

35.- "RAMPART" de Oren Movermaan (USA), visto en el Principal, en sesión de 19:30, el miércoles 20 de septiembre dentro de la sección oficial del festival de cine de San Sebastián: Woody Harrelson elevado al cubo. Esta era mi opción al premio al Mejor Actor del Festival de San Sebastián de este año por el papel del agente de policía Dave Brown, un excombatiente de Vietnam xenofobo, violento y muy dado a resolver los asuntos con sus particulares métodos. Su forma de trabajo se destapa cuando una cámara de video lo graba apaleando a un detenido y comienza su calvario por los pecados cometidos.

36.- "VERBO" de Eduardo Chapero-Jackson (España), visto en los cines Principe de San Sebastián a las 10:00 de la mañana, el jueves 22 de septiembre: la decepción del año por las expectativas que me había formado de Chapero-Jackson, su trayectoria dentro del mundo del corto no ha culminado con su primer largo.

37.- "LOS MARZIANO" de Ana Katz (Argentina), visto en el Kursaal-1, en sesión de 12:00, el jueves 21 de septiembre dentro de la sección oficial del festival de cine de San Sebastián: aún contando en el reparto con uno de los actores más destacados del cine argentino, Guillermo Francella, su metraje está totalmente desperdiciado. Pretende ser un reencuetro familiar y se pierde en el camino.

38.- "ADIKOS KOSMOS" de Filippas Tsitos (Grecia), visto en el Kursaal-2, a las 14:00, el jueves 21 de septiembre dentro de la sección oficial del festival de cine de San Sebastián: algo se mueve en el cine griego, aunque su ritmo todavía sea bastante cadente. Premio al Mejor Actor en el Festival de San Sebastián para su protagonista Antonis Kafetzopoulos y Concha de Plata al Mejor Director para Filippos Tsitos.

39.- "AMERICANO" de Mathieu Demy (Francia), visto en el Kursaal-1, en sesión de nueve de la mañana del viernes 23 de septiembre y dentro de la sección oficial de festival de cine de San Sebastián: el hijo del cineasta Jacques Demy, cuya retrospectiva ha acaparado este año el festival de San Sebastián, se marca un particular homenaje a la figura de su madre (y por extensión a su padre) en este film que juguetea con la ficción y la realidad creando una historia bastante personal al introducir 'flashbacks' con imágenes en 16 mm recicladas de la película 'Documenteur' de su madre, Agnès Varda, en la que el joven Demy aparece con ocho años.

40.- "LAS RAZONES DEL CORAZÓN" de Arturo Ripstein (Méjico), visto en el Kursaal-1, dentro de la sección oficial del Festival de Cine de San Sebastián: El mejicano Arturo Ripstein vuelve con un film marca de la casa, un drama intimista, profundo, áspero y desolador. Ripstein garantiza en cada uno de sus films un viaje sin retorno a lo más profundo del alma humana y por supuesto que ese alma siempre camina por el lado oscuro de la mente. "Las razones del corazón" esta rodada en blanco y negro, quizás para remarcar ese estado permanente de angustia y tristeza de la protagonista, Emilia (Araceli Ramírez), que vive en una constante depresión principalmente causada por un amor enfermizo volcado en su amante y que no es correspondido con el entusiasmo que ella demanda

41.- "LA PIEL QUE HABITO" de Pedro Almodovar, vista en Cines Arcca el 28 de octubre en sesión de 22:30: un film de puro corte almodovariano, con tigrinho incluido, que se deja ver por aquellos que conocen las maneras de Almódovar pero que defraudará a aquellos que esperan el vuelco que nunca se dará en la cinematografía del manchego universal. Almodóvar es Almodovar!

42.- "PUZZLED LOVE" de Gaby Amione, Paul Balagué, Miriam Cañamares, Josecho de Linares, Gemma Ferraté, Alba Giralt, Alejandro Javaloyas, Marc Juve, Carlos Pérez-Reche, Eduard Riu, Irene C. Rodriguez, Javier Sanz y Bruno Saravia / Visto a través de Veosanse, plataforma on-line de festival de San Sebastián el jueves 29 de octubre: Muy recomendable para los que quieran comprobar las posibles nuevas expectativas que nos depara el cine español con esta cantera de realizadores salida de la ESCAC que no se achica ante nada.

43.- "EL ÁRBOL DE LA VIDA" de Terence Malick, visto en cines Arcca en sesión de 22:45 (05-10-2011): ejercicio cinematográfico-sensorial casi experimental, odiado por unos y al mismo tiempo idolatrado por otros, el paso del tiempo reconocerá esta obra maestra ~~ultra-católica~~ como se merece.

44.- "NO HABRÁ PAZ PARA LOS MALVADOS" de Enrique Urbizu, visto en cines Arcca en sesión de 22:30 (13-10-2011): cine negro en estado puro, con un Coronado en estado de gracia. Sin duda la española del año y la que más premios va acaparar en los Goya.

45.- "TRECE ASESINOS" de Takeshi Miike, visto en dvd el 15 de octubre de 2011: vuelta al clasicismo oriental samurai al puro estilo Kurosawa. Se agradece que Miike de vez en cuando temple un poco la mano y solo utilice 18.000 litros de sangre en esta producción (es un decir).

46.- "MIENTRAS DUERMES" de Jaume Balagueró, visto en cines Arcca el jueves 10 de noviembre en sesión de 22:45 y solo en la sala: el maestro español del terror firma un buenísimo ejercicio de género donde destaca por encima de todo su pareja protagonista, el enorme Luis Tosar y la maravillosa Marta Etura.

47.- "EVA" de Kike Maillo, visto en cines Arcca el miércoles 16 de noviembre en sesión de 22:30: la fantástica sorpresa del debutante Kike Maillo socializando la ciencia ficción y regalándonos dos personajes para la historia del cine español, el robot-mayordomo interpretado por Lluis Omar y 'Eva' interpretado por Claudia Vega, la actriz que se vengará de la Academia del Cine Español ganando un Goya en cuanto cumpla los 18 años.

48.- "UNA PISTOLA, UNA MUJER Y UNA TIENDA DE FIDEOS CHINOS" de Zhang Yimou, visto a través de la plataforma de cine independiente filmin.es (19-11-2011): el maestro creador de "Hero" y "La casa de las dagas voladoras" vuelve a impactarnos con su brillante y espectacular puesta en escena, incluidas las localizaciones más maravillosas del la historia del cine (me 'pasao' un poco, no) pero su historia, esta vez no está a la altura de las imágenes mostradas, solo hace falta echarle un vistazo a la sinopsis para darse cuenta. El dato curioso, este film es un remake de "Sangre fácil" de los hermanos Coen, por una vez los orientales le dan la vuelta a la tortilla.

49.- "MARGIN CALL" de J.C. Chandor, visto en cines Arcca, sala 7, 22:45, 23 de noviembre: terrible y estremecedora representación de lo miserables que son nuestras vidas a merced de los grandes magnates financieros, verdaderos responsables del devenir de la mayoría de economías capitalistas del mundo.

50.- "INCENDIES" de Denis Villeneuve (2010), visto en dvd: increible epopeya dramática de una mujer cristiana en palestina en busca de su hijo, atravesando uno de los países más convulsos de la historia de Oriente Medio.

51.- "UN DIOS SALVAJE" de Roman Polanski (2011), visto en cines Arcca en sesión de 22:30 (14-12-2011): cínica y ácida comedia negra adaptada de la famosa obra teatral de la autora Yasmina Reza. Un ejercicio de interpretación magistral de sus cuatro protagonistas, Jodie Foster, Kate Winslet, Christoph Waltz y John C. Relly, aunque hubiese preferido verlos en versión original con subtítulos en castellano, sobre todo por la escena de la borrachera, se me sale u poco de contexto.

52.- "DRIVE" de Nicolas Winding Refn, visto en cines Arcca en sesión de 17:30 el 31 de diciembre de 2011:"Drive" es el disfrute cinematográfico personificado, siendo la última peli que vi en 2011, la coloco en primera posición de mi lista exclusiva de las 10 mejores del año. Es una joya cinéfila de las que hacen escuela, con un magnetismo estético y musical de primera magnitud. ¡Viva Ryan Gosling!

50 AÑOS DE "BREAKFAST AT TIFFANY'S"

2011-12-13T18:18:00.000+01:00

Por ElEfectoKulechovPuntoCom.

El vestido negro de 'Holly' fue subastado en 2006 y alcanzó una cifra de 807.000 dólares, siendo el segundo objeto más valorado de la historia del cine. El primero es el Oscar a la Mejor Película logrado por Lo que el viento se llevó.

Pina. Danzad, danzad… o estaréis perdidos.

2011-12-13T12:43:00.004+01:00

La opinión de... Marta López-Araquistain

Aprovecho que acaba de ganar el Premio Mejor Documental de la Academia de Cine Europeo para retomar esta crítica que lleva un tiempo rondando por mi ordenador. ¿Pero se puede llamar crítica cuando no tengo ni un solo pero a este atípico documental? Tiene una belleza que traspasa la pantalla. Es arriesgado, con una banda sonora impresionante, visualmente impecable, unas coreografías que te atrapan y no te sueltan… Un TODO, que es lo que tiene que ser el buen cine. Una obra redonda.

Además es la primera película en la que el 3D no sólo no estorba, sino que lo usa de tal manera que te introduce dentro de las coreografías. Los límites entre las butacas del cine y las butacas del teatro quedan desdibujados. Nos adentra en un mundo en el que el lenguaje es el movimiento. Un mundo lleno de sensaciones, de emociones… en el que solo tienes que dejarte arrastrar.

Wim Wenders quizá no necesite presentación en un blog como este, pero es probable que Pina Bausch sí. Así que os dejo unos cuantos enlaces para los que queréis saber un poco más sobre ella:

http://pina-bausch.de
http://www.escaner.cl/escaner76/danza.html
http://www.danzaballet.com/modules.php?name=News&file=article&sid=2997
http://www.margencero.com/articulos/articulos3/bausch.htm

CINEFÍLIA: REFRIGERANDO A MARÍA

2011-12-05T17:56:00.001+01:00

Brigitte Helm como el 'Robot-María' en "Metropolis" de Fritz Lang (1927)

"MELANCOLIA" DE LARS VON TRIER MEJOR PELICULA EUROPEA DEL AÑO

2011-12-05T11:04:00.001+01:00

Por ElEfectoKulechovPuntoCom.
El buen cine a vuelto a triunfar! Lejos de polémicas antisemitas, verborreas publicistas y demás circos que desvirtúan lo que es el cine en estado puro (sentarse en la butaca de una sala y disfrutar del 7º arte) la Academia de Cine Europeo ha concedido (este sábado en Berlín) el Premio a la Mejor Película Europea a "Melancolía" de Lars von Trier. Una vez más se demuestra el vertiginoso distanciamiento de las distribuidoras, sobre todo españolas, entre el cine comercial (que deciden proyectar) y el verdadero cine, que apenas se hace hueco en tres o cuatro capitales españolas dejando huérfanos a muchos otros espectadores que tienen que buscarse la vida para conseguir ver al 'Lars von Trier' de turno, porque ya ni en los videoclubes se dignan a traer este cine.
Destacar de entre todos los premiados de la fiesta del Cine Europeo el premio a la Mejor Película de Animación para nuestros paisanos Fernando Trueba y Javier Mariscal por "Chico y Rita".

Premio Mejor Película: Melancolía, de Lars von Trier
Premio Mejor Director: Susanne Bier, por En un Mundo Mejor
Premio Mejor Actor: Colin Firth, por El Discurso del Rey
Premio Mejor Actriz: Tilda Swindton, por Tenemos que hablar de Kevin
Premio Mejor Guión: Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne, por El niño de la bicileta
Premio Mejor Montaje: Tariq Anwar, por El discurso del rey
Premio Mejor Dirección Artística: Jette Lehmann, por Melancolía
Premio Mejor Banda Sonora: Ludovic Bource, por The Artist
Premio Mejor Documental: Pina, de Wim Wenders
Premio Película Revelación: Oxygen / Adem, de Hans Van Nuffel
Premio a la Mejor Película de Animación: Chico & Rita, de Fernando Trueba, Javier Mariscal y Tono Errando
Premio Mejor Cortometraje: The Whole Family, de Terry Gilliam
Premio Mejor Co-Producción Europea: Mariela Besuievsky
Premio del Público: El Discurso del Rey, de Tom Hooper
Premio por sus logros en el Cine Mundial: Mads Mikkelsen
Premio de Honor por su trayectoria profesional: Stephen Frears
Premio de Honor por su trayectoria profesional: Michel Piccoli

A continuación todos los nominados a los Premios del Cine Europeo:

MEJOR PELÍCULA EUROPEA DEL 2011

The Artist (2011) de Michel Hazanavicius (Francia)

El niño de la bicicleta (2011) de Jean-Pierre & Luc Dardenne (Bélgica/Francia/Italia)
En un mundo mejor (2010) de Susanne Bier (Dinamarca)
El discurso del rey (2010) de Tom Hooper (Reino Unido)
Le Havre (2011) de Aki Kaurismäki (Finlandia)
Melancolía (2011) de Lars von Trier (Dinamarca/Suecia/Francia/Alemania)

MEJOR DIRECCIÓN EUROPEA DEL 2011
Susanne Bier por En un mundo mejor (2010)
Jean-Pierre & Luc Dardenne por El niño de la bicicleta (2011)
Aki Kaurismäki por Le Havre (2011)
Béla Tarr por A Torinói ló (2011)
Lars von Trier por Melancolía (2011)

MEJOR ACTRIZ EUROPEA DEL 2011
Kirsten Dunst en Melancolía (2011)
Cécile de France en El niño de la bicicleta (2011)
Charlotte Gainsbourg en Melancolía (2011)
Nadezhda Markina en Elena (2011)
Tilda Swinton en We need to talk about Kevin (2011)

MEJOR ACTOR EUROPEO DEL 2011
Jean Dujardin en The Artist (2011)
Colin Firth en El discurso del rey (2010)
Mikael Persbrandt en En un mundo mejor (2010)
Michel Piccoli en Habemus Papam (2011)
André Wilms en Le Havre (2011)

MEJOR GUIÓN EUROPEO DEL 2011
Jean-Pierre & Luc Dardenne por El niño de la bicicleta (2011)
Anders Thomas Jensen por En un mundo mejor (2010)
Aki Kaurismäki por Le Havre (2011)
Lars von Trier por Melancolía (2011)

PREMIO CARLO DI PALMA A LA MEJOR FOTOGRAFÍA EUROPEA DEL 2011
Manuel Alberto Claro por Melancolía (2011)
Fred Kelemen por A Torinói ló (2011)
Guillaume Schiffman por The Artist (2011)
Adam Sikora por Essential Killing (2010)

MEJOR MONTAJE EUROPEO DEL 2011
Tariq Anwar por El discurso del rey (2010)
Mathilde Bonnefoy por 3 (2010)
Molly Malene Stensgaard por Melancolía (2011)

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA EUROPEA DEL 2011
Paola Bizzarri por Habemus Papam (2011)
Antxón Gómez por La piel que habito (2011)
Jette Lehmann por Melancolía (2011)

MEJOR COMPOSITOR EUROPEO DEL 2011
Ludovic Bource por The Artist (2011)
Alexandre Desplat por El discurso del rey (2010)
Alberto Iglesias por La piel que habito (2011)
Mihály Vig por A Torinói ló (2011)

PREMIO Prix FIPRESCI AL DESCUBRIMIENTO EUROPEO
Atmen (2011) de Karl Markovics
Michael (2011) de Markus Schleinzer
Smukke mennesker (2010) de Mikkel Munch-Fals
Adem (2010) de Hans Van Nuffel
Tilva Ros (2010) de Nikola Ležaic

PREMIO Prix ARTE AL MEJOR DOCUMENTAL EUROPEO
Pina (2011) de Wim Wenders
Stand van de sterren (2010) de Leonard Retel Helmrich
¡Vivan las antípodas! de Victor Kossakovsky

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN EUROPEA DEL 2011
Une vie de chat (2010) de Alain Gagnol, Jean-Loup Felicioli
Chico & Rita (2011) de Fernando Trueba, Javier Mariscal y Tono Errando
Le chat du rabbin (2011) de Joann Sfar, Antoine Delesvaux

MEJOR CORTOMETRAJE EUROPEO DEL 2011
Återfödelsen (2010) de Hugo Lilja
Berik (2010) de Daniel Joseph Borgman
Derby (2010) de Paul Negoescu
Dimanches (2011) de Valéry Rosier
Frozen Stories (2011) de Grzegorz Jaroszuk
La gran carrera (2010) de Kote Camacho
Händelse vid bank (2009) de Ruben Östlund
Hypercrisis (2011) de Josef Dabernig
Jessi (2010) de Mariejosephin Schneider
Små barn, stora ord (2010) de Lisa James Larsson
Tse (2010) de Roee Rosen
Paparazzi (2011) de Piotr Bernas
Silent River (2011) de Anca Miruna Lazarescu
The Wholly Family (2011) de Terry Gilliam
I lupi (2011) de Alberto De Michele

PREMIO DEL PÚBLICO A LA MEJOR PELÍCULA EUROPEA DEL 2011
Bienvenidos al sur (2010) de Luca Miniero
Melancolia (2011) de Lars von Trier
También la lluvia (2010) de Icíar Bollaín
Pequeñas mentiras sin importancia (2010) de Guillaume Canet
El discurso del rey (2010) de Tom Hooper
Animals United (2010) de Holger Tappe, Reinhard Klooss
Potiche, mujeres al poder (2011) de François Ozon
En un mundo mejor (2010) de Susanne Bier
Sin identidad (2011) de Jaume Collet-Serra

Nota importante: prácticamente todo el palmares se podrá disfrutar en filmin.es a lo largo de todo el 2012.

"EVA", EL TRASFONDO MORAL DE LA CIENCIA

2011-11-29T13:14:00.000+01:00

La Opinión de... LEOmuñoz.
La "Eva" de Kike Maíllo es heredera directa de "2001, una odisea en el espacio", "Tron", "Blade Runner", "Inteligencia Artificial" y la más reciente "Yo, Robot", por citar algunos films más significativos del puro género de la ciencia-ficción, en el más estricto significado de la palabra. Porque si algo comparten estos films es la intención de mostrar al espectador como la ciencia avanza en la vida cotidiana de las personas para, en principio, mejorar sus vidas. Aunque el film de Maíllo y los citados se centran principalmente en la IA, siglas adoptadas por la comunidad científica para referirse a la inteligencia artificial. Y aquí nos topamos con la madre de todos los corderos, la robótica y los sentimientos, el libre pensamiento y la dependencia del hombre, la esclavitud y la libertad, la moral y la conciencia. ¿O es que no produciría una fractura moral en la sociedad el hecho de que alguien pueda construirse un robot de compañía que sustituya al hijo deseado?, ¿quién tendría acceso a ellos?, ¿como afectaría a nuestras vidas el saber que ese niño jamás crecerá?, ¿lo podríamos ~~matar~~ desconectar si algún día comete un grave error de conducta? Todas estas incógnitas siempre viajan detrás de la consecución de la inteligencia artificial, han sido y serán generadoras de un gran debate moral.

Si la IA es el hilo conductor del film Claudia Vega ('Eva') es el alma, sin ella el film carecería de sentido. Es evidente que mereció la pena bucear en un casting de más de 3000 aspirantes, su interpretación es magistral, esa mezcla de ingenuidad y desparpajo es maravillosa para este papel. Desde este blog y en este mismo momento creamos la plataforma UN GOYA PARA CLAUDIA, a propósito de la enésima metedura de pata de nuestra Academia de Cine al prohibir premiar con un goya a cualquier niño que participe en una producción española. No solo la protagonista principal destaca en esta ópera prima, también merece un Goya como actor de reparto Lluis Homar, interpretando a un robot que se encarga de las tareas domésticas a la vez que hace de consejero sentimental, siempre y cuando su amo active el nivel de conciencia adecuado. Completan el reparto la siempre deslumbrante Marta Etura (su sonrisa lo llena todo) y los hermanos en la ficción Alberto Ammann y Daniel Brühl, cuyas interpretaciones rayan el suspenso (son la única pata que cojea en el tablero).
En definitiva, un brillante estreno para Kike Maillo (no podemos decir lo mismo de Chapero Jackson y su "Verbo") que nos ha deslumbrado con su ciencia-ficción cotidiana y que muestra como hacer cine de calidad en España dentro de un género pocas veces abordado por nuestros cineastas. Lástima que muchos no compren la entrada por llevar el estigma de cine español, quizás el premio al los Mejores Efectos Especiales en la última edición del festival de Sitges consiga que engorde algo la taquilla, aunque contra 'los amaneceres vampíricos imberbes' no se puede luchar.

Ficha Técnica / Película: Eva. Dirección: Kike Maíllo. Países: España y Francia. Año: 2011. Duración: 94 min. Género: Ciencia-ficción, drama. Interpretación: Daniel Brühl (Álex), Claudia Vega (Eva), Marta Etura (Lana), Alberto Ammann (David), Lluís Homar. Guion: Sergi Belbel, Cristina Clemente, Martí Roca y Aintza Serra. Producción ejecutiva: Sergi Casamitjana, Aintza Serra y Lita Roig. Fotografía: Arnau Valls Colomer. Montaje: Elena Ruiz. Diseño de producción: Laia Colet. Vestuario: María Gil. Distribuidora: Paramount Pictures Spain. Estreno en España: 28 Octubre 2011. Calificación por edades: Apta para todos los públicos.

50 AÑOS DE "BREAKFAST AT TIFFANY´S"

2011-11-18T19:18:00.000+01:00

Por ElEfectoKulechovPuntoCom vía Las Crónicas de Tino.

"¿Sabes lo que te pasa? Que no tienes valor. Tienes miedo, miedo de enfrentarte contigo misma y decir "está bien, la vida es una realidad, las personas se pertenecen las unas a las otras porque es la única forma de conseguir la verdadera felicidad". Tú te consideras un espíritu libre, un ser salvaje, y te asusta la idea de que alguien pueda meterte en una jaula. Bueno nena, ya estás en una jaula, tú misma la has construido y en ella seguirás vayas a donde vayas, porque no importa a dónde huyas, siempre acabarás tropezando contigo misma."

CINEFILIA: TARKOVSKY EN EL RODAJE DE "ANDREI RUBLEV"

2011-11-18T18:44:00.001+01:00

Por ElEfectoKulechovPuntoCom.
Andrey Tarkovsky y Anatoli Solonitsyn en el set de "Andrei Rublev" (1966)

Ficha Técnica:
año 1966 / 185 min. / país: Unión Sovética / género: drama biográfico, siglo XV / director: Andrei Tarkovski / guión: Andrei Konchalovsky, Andrei Tarkovsky / música: Vyacheslav Ovchinnikov / fotografía: Vadim Yusov / reparto: Anatoly Solonitsyn, Ivan Lapikov, Nikolai Grinko, Nikolai Sergeyev, Irma Rausch, Nikolai Burlyayev, Yuri Nazarov, Yuri Nikulin / productora: Mosfilm Studios / premios: 1969 Festival de Cannes: Premio FIPRESCI /

Sinopsis: biografía del pintor ruso Andrei Rublev (o Rubliov), famoso por sus iconos. Un larguísimo biopic (182 minutos) le sirve a Tarkovsky para hacer un minucioso retrato de la vida social, política y artística en Rusia a principios del siglo XV.

EL FESTIVAL DE GIJÓN ONLINE

2011-11-18T13:01:00.001+01:00

Por ElEfectoKulechovPuntoCom vía filmin.
La 49ª Edición del Festival Internacional de Gijón (nuestro Sundance particular) ofrece a través de filmin.es 53 títulos de su programación para ver online por tan solo 5 euros. Eso sí, exclusivamente durante 10 días, a contar a partir del día de su compra que se podrá adquirir del 14 al 30 de noviembre.
Uno de los atractivos más importantes es la posibilidad de ver dos estrenos exclusivos de festival dentro de la sección oficial, también online, como son la canadiense "Ivory Tower" de Adam Traynor, película que abre el festival, y la americana "The Happy Poet" de Paul Gordon, que se proyectará en la ceremonia de clausura y que obtuvo el Premio Especial RELLUMES en la edición pasada.
En la selección de filmin podemos encontrar títulos del programa de Gijón que no se estrenaron en España, como Amor + Odio (Dominic Savage, 2005), Dark Horse (Dagur Kári, 2005) o Adam y Paul (jenny Abrahamson, 2004). También tendrás acceso a un buen número de películas premiadas en el certamen como Vals con Bashir de Ari Folman (Premio Jurado Joven en 2008), Shortbus de John Cameron Mitchell (Mejor Guión Original y Dirección Artística en 2006) o Liverpool de Lisandro Alonso (Mejor Película en 2008). Una oferta que se completa con un buen vistazo a producciones anteriores de directores que participan en la 49 edición: Offside (Jafar Panahi, 2006), Todo está perdonado (Mia Hansen-Love, 2007) o Workingman’s Death (Michael Glawogger).

CINEFILIA: PEINANDO A SPOCK

2011-11-17T16:42:00.001+01:00

"MEDIANERAS" DE GUSTAVO TARETTO

2011-11-17T09:47:00.001+01:00

Por ElEfectoKulechovPuntoCom.
La ópera prima de Gustavo Taretto se basa en el cortometraje homónimo del mismo título, "Medianeras". Se trata de un film intimista, romántico, pero con ese halo de melancolía que, según el director, atrapa hoy en día a la mayoría de corazones solitarios que nutre las grandes urbes. Caos urbanístico, nuevas tecnologías, soledad, amor irracional, incomunicación, sociología y psiquiatría, son los ingredientes que se presentan en la siempre mágica y alocada Buenos Aires de mis amores,... cine argentino en estado puro. A destacar el debut en el cine argentino de nuestra Pilar López de Ayala.

Sinopsis / “Medianeras” es la historia de Mariana, Martín y la ciudad. Los dos viven en la misma manzana, uno frente al otro, en diferentes edificios, pero no pueden encontrarse. Sus caminos se cruzan sin saber el uno del otro. Ella sube una escalera y él la baja. Él monta en un autobús y ella se apea. Coinciden en el videoclub pero les divide una estantería de películas. Se sientan en la misma fila de cine pero la sala está a oscuras. La ciudad les une y a la vez les separa.

Ficha Técnica / Película: Medianeras. Dirección y guion: Gustavo Taretto. Países: Argentina, España y Alemania. Año: 2011. Duración: 95 min. Género: Drama. Interpretación: Pilar López de Ayala (Mariana), Javier Drolas (Martín), Inés Efrén (Ana), Carla Peterson (Marcela), Adrián Navarro (Lucas), Rafael Ferro (Rafa), Miguel Dedovich (psiquiatra). Producción: Luis Miñarro, Hernán Musaluppi, Natacha Cervi y Christoph Friedel. Música: Gabriel Vildosola. Fotografía: Leandro Martínez. Montaje: Pablo Mari y Rosario Suárez. Diseño de producción: Luciana Quartaruolo y Rome Fasce. Vestuario: Flavio Gaitán. Distribuidora: Karma Films. Estreno en España: 18 Noviembre 2011.
trailer en medianeras.com

50 AÑOS DE "BREAKFAST AT TIFFANY'S"

2011-11-10T17:46:00.000+01:00

Por ElEfectoKulechovPuntoCom.

Si, este año se cumplen ya 50 años del estreno de "Breakfast at Tiffany´s" de Blake Edwards, que en España se tituló "Desayuno con Diamantes". El guión lo escribió George Axelrod a partir de una novela de Truman Capote y fué el film que marcó a su actriz protagonista como icono de la moda y de la elegancia. El vestido negro de 'Holly' fue subastado en 2006 y alcanzó una cifra de 807.000 dólares, siendo el segundo objeto más valorado de la historia del cine. El primero es el Oscar a la Mejor Película logrado por Lo que el viento se llevó.

Ficha Técnica /

Título: Desayuno con diamantes

Título original: Desayuno con diamantes

Dirección: Blake Edwards

País: Estados Unidos

Año: 1961

Duración: 110 min.

Reparto: Audrey Hepburn, George Peppard, Patricia Neal, Buddy Ebsen, Martin Balsam, José Luis de Villalonga, John McGiver, Alan Reed, Dorothy Whitney, Beverly Powers, Stanley Adams, Claude Stroud, Elvia Allman, Orangey, Mickey Rooney.

Guión: George Axelrod

Presupuesto: 2.500.000,00 $

Casting: Marvin Paige

Departamento editorial: Richard Mueller

Dirección: Blake Edwards

Dirección artística: Hal Pereira, Roland Anderson

Efectos especiales: Farciot Edouart, John P. Fulton

Fotografía: Franz Planer, Philip H. Lathrop

Guión: George Axelrod

Maquillaje: Nellie Manley, Wally Westmore

Montaje: Howard A. Smith

Música: Henry Mancini

Novela original: Truman Capote

Sonido: Hugo Grenzbach, John Wilkinson

Vestuario: Edith Head, Hubert de Givenchy, Pauline Trigere

"MELANCOLÍA" DE LARS VON TRIER

2011-11-08T11:44:00.002+01:00

Por ElEfectoKulechovPuntoCom.
Esperadísima nueva obra del 'enfant terrible' del cine sueco, como casi todos sus films. Y es que Lars Von Trier es de esos pocos cineastas que arriesgan en sus creaciones para bien o para mal, que van un paso más allá a la hora de acometer nuevos proyectos. ¿Quién si no es capaz de abordar cada uno de los géneros universales del cine como si fuera la última película que rueda en su vida? Cine negro, musical, ciencia-ficción, ninguno escapa a la particularísima visión del mundo y del hombre que Von Trier plasma en sus guiones. Y lo próximo parece ser que será el género porno, la polémica y la provocación están servidas, como ya lo hizo en esta última ocasión y en plena rueda de prensa del Festival de Cannes, al hilar una serie de frases en las que daba a entender su simpatía por el nacismo y por 'el führer', vamos!... Lars Von Trier en su salsa y en plena acción.

Sinopsis / Justine (Kirsten Dunst) y Michael (Alexander Skarsgard) dan una suntuosa fiesta para celebrar su boda en casa de la hermana de la novia (Charlotte Gainsbourg) y de su marido (Kiefer Sutherland). Mientras tanto, el planeta Melancolía avanza hacia la Tierra en esta película psicológica y catastrofista de Lars von Trier.

Ficha Técnica / Película: Melancolía. Título original: Melancholia. Dirección y guion: Lars von Trier. Países: Dinamarca, Suecia, Francia, Alemania e Italia. Año: 2011. Duración: 139 min. Género: Drama, ciencia-ficción. Interpretación: Kirsten Dunst (Justine), Charlotte Gainsbourg (Claire), Kiefer Sutherland (John), Charlotte Rampling (Gaby), John Hurt (Dexter), Alexander Skarsgård (Michael), Udo Kier (organizador de la boda), Stellan Skarsgård (Jack). Producción: Louise Vesth y Meta Louise Foldager. Fotografía: Manuel Alberto Claro. Montaje: Molly M. Stensgaard. Diseño de producción: Jette Lehmann. Vestuario: Manon Rasmussen. Distribuidora: Golem. Estreno en Dinamarca: 26 Mayo 2011. Estreno en España: 4 Noviembre 2011. Calificación por edades: No recomendada para menores de 7 años.

"EVA" DE KIKE MAÍLLO

2011-11-04T17:16:00.000+01:00

Por ElEfectoKulechovPuntoCom. Ha llegado a nuestras pantallas todo un hito para el cine español dentro del género de la ciencia ficción. Rodada en 11 semanas, en localizaciones montañosas de la Suiza más francesa y de Panticosa (Huesca), "Eva" marca un antes y un después en cuanto al tratamiento de los efectos digitales en España. Y es que el director debutante de la cantera de la ESCAC, Kike Maíllo, ha conseguido enmarcar el mundo de la inteligencia artificial dentro de la cotidianidad de nuestras casas, huyendo de visiones futuristas apocalípticas y de escenografías high tech. En el festival de Cine Fantástico de Sitges de este año "Eva" consiguió el premio a los mejores efectos especiales, ¿estará cambiando algo en nuestro cine con la llegada de estos nuevos talentos de la dirección?

Sinopsis/ Año 2041. Un futuro cercano en el que los seres humanos viven acompañados de criaturas mecánicas. Álex, un reputado ingeniero cibernético, regresa a Santa Irene con un encargo muy específico de la Facultad de Robótica: la creación de un niño robot. Durante diez años de ausencia, la vida ha seguido su curso para su hermano David y para Lana, quien, tras la marcha de Álex, ha rehecho su vida. La rutina de Álex se verá alterada de forma casual e inesperada por Eva, la increíble hija de Lana y David, una niña especial, magnética, que desde el primer momento establece una relación de complicidad con Álex. Juntos emprenderán un viaje que les precipitará hacia un final revelador.

Ficha Técnica/ Película: Eva. Dirección: Kike Maíllo. Países: España y Francia. Año: 2011. Duración: 94 min. Género: Ciencia-ficción, drama. Interpretación: Daniel Brühl (Álex), Claudia Vega (Eva), Marta Etura (Lana), Alberto Ammann (David), Lluís Homar. Guion: Sergi Belbel, Cristina Clemente, Martí Roca y Aintza Serra. Producción ejecutiva: Sergi Casamitjana, Aintza Serra y Lita Roig. Fotografía: Arnau Valls Colomer. Montaje: Elena Ruiz. Diseño de producción: Laia Colet. Vestuario: María Gil. Distribuidora: Paramount Pictures Spain. Estreno en España: 28 Octubre 2011. Calificación por edades: Apta para todos los públicos.

"LA VOZ DORMIDA" DE BENITO ZAMBRANO, TRECE ROSAS II

2011-11-02T13:52:00.001+01:00

La Opinión de... LEOmuñoz.
Por ahí se corre la voz de que en España solo se hacen pelis de la guerra civil y de la posguerra. No sé si es cierto o si solo se trata de un bulo, la verdad es que anualmente la historia negra española visita al menos una vez nuestras pantallas. Para muestra un botón, incluidas algunas producciones extranjeras y omitidos 72 documentales:
"Pan Negro" (2010), "Ispansi" (2010), "Caracremada" (2010), "Balada Triste de Trompeta" (2010), "Pájaros de Papel" (2010), "La Mujer del Anarquista" (2008), "La Buena Nueva" (2008), "Los Girasoles Ciegos" (2008), "Las Trece Rosas" (2007), "La Vida Perra de Juanita Narboni" (2005), "Juegos de Mujer" (2004), "Triple Agente" (2004)", "Días Rojos" (2004), "El Laberinto del Fauno" (2006), "La Mala Educación" (2004), "Nudos" (2003), "1939" (2003), "La Luz Prodigiosa" (2003), "Soldados de Salamina" (2002), "El Lápiz del Carpintero" (2002), "El Viaje de Carol" (2002), "El Embrujo de Shangai" (2002), "Silencio Roto" (2001), "Los Niños de Rusia" (2001), "El Espinazo del Diablo" (2001), "Otaola, o la República del Exilio" (2000), "El Portero" (1999), "La Lengua de las Mariposas" (1999), "Pasiones Rotas" (1998), "Mararía" (1998), "El Pianista" (1998), "La Niña de tus Ojos" (1998), "La Hora de los Valientes" (1998), "Muerte en Granada" (1997), "Tranvía a la Malvarrosa" (1997), "Tu Nombre Envenena mis Sueños" (1996), "En Brazos de laa Mujer Madura" (1996), "Libertarias" (1996), "Gracias por la Propina" (1996), "Tierra y Libertad" (1995), "Fiesta" (1995), "Alsasua 1936" (1994), "Los Años Oscuros" (1993), "Madre Gilda" (1993), "Vacas" (1992), "Huidos" (1992), "Beltenebros" (1991), "El Largo Invierno" (1991), "Ay, Carmela!" (1990) y muchas más, "Si te dicen que caí", "Las Cosas del Querer", "Luna de Lobos", "Lorca, muerte de un poeta", "Viva la Banda", "Dragón Rapide", "Requiem por un Campesino Español", "El Año de las Luces", "Las bicicletas son para el verano", "La Vaquilla", "El Árbol de Guernica", "El Espiritu de la Colmena", etc, etc.

Después de esta agotadora lista de enumeración juzguen ustedes mismos si verdaderamente se hace mucho, poco o el necesario cine sobre el citado periodo de nuestra historia. Lo que si es cierto es que el cine es un fiel reflejo del sentir de una sociedad, siempre y cuando haya libertad de expresión claro. Así que por lo visto tenemos guerra civil para rato, porque además de refrescar la memoria a los que vivieron el no menos penoso periodo de posguerra, también sirve para que las nuevas generaciones nacidas ya en democracia sepan de lo que es capaz la naturaleza humana cuando las ideas políticas se anteponen a la moral y a las normas básicas de convivencia. Ahora bien, ¿sigue teniendo el tema de la guerra civil española el mismo gancho de taquilla hoy que hace 30 años? ¿No se ha convertido ya en un cliché que no colabora a aumentar el bajo porcentaje de consumidores de cine español?
En mi humilde opinión "La Voz Dormida" de Benito Zambrano no aporta nada nuevo al computo general de temática guerra civil-española, es más yo diría que se trata de la segunda parte de "Trece Rosas" de Emilio Martínez Lázaro (2007). En ambas películas el guión se ajusta a dos hechos reales acaecidos en las cárceles de mujeres del periodo franquista más duro, ambas son adaptaciones de novelas de Dulce Chacón y Carlos López Fonseca, por supuesto que ambas son dos grandes películas del cine español, que retratan con dureza las injusticias de la guerra, pero vuelvo a recalcar que quizás hayamos visto en pantalla demasiadas veces 'al mismo perro con otro collar'.
Aún así les animo a no perderse este film advirtiéndoles que preparen los pañuelos porque hasta el más duro de los espectadores sucumbirá a la sensibilidad de Benito Zambrano y sobre todo a la interpretación femenina de María León (Pepita) un torbellino de belleza, frescura y genialidad cinematográfica capaz de eclipsar al resto del reparto, así lo creyó también el jurado del pasado Festival de Cine de San Sebastián otorgándole la Concha de Oro a la Mejor Actriz.

Sinopsis / Pepita, una joven cordobesa de origen rural, va a Madrid en la posguerra para estar cerca de su hermana Hortensia que está embarazada y en prisión. Pepita conoce a Paulino, un valenciano de familia burguesa, que lucha junto a su cuñado Felipe en la sierra de Madrid. A pesar de la dificultad de su relación, se enamoran apasionadamente. Hortensia es juzgada y condenada a muerte. La ejecución no se llevará a cabo hasta que después del parto. Pepita intenta por todos los medios y en todas las instancias que condonen la ejecución. Va todos los días a la prisión con el objetivo de que le entreguen el futuro hijo de Hortensia, suplicando que no lo den en adopción o lo internen en un orfanato…

Ficha Técnica / Película: La voz dormida. Dirección: Benito Zambrano. País: España. Año: 2011. Duración: 128 min. Género: Drama. Interpretación: Inma Cuesta (Hortensia), María León (Pepita), Marc Clotet (Paulino), Daniel Holguín (Felipe), Ana Wagener (Mercedes), Susi Sánchez (Sor Serafines), Berta Ojea (La Zapatones), Lola Casamayor (Reme), Ángela Cremonte (Elvira), Antonio Dechent (juez). Guion: Ignacio del Moral y Benito Zambrano; basado en la novela homónima de Dulce Chacón. Producción: Antonio Pérez. Música: Magda Rosa Galván y Juan Antonio Leyva. Fotografía: Alex Catalán. Montaje: Fernando Pardo. Dirección artística: Javier Fernández. Vestuario: María José Iglesias García. Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España. Estreno en España: 21 Octubre 2011. Calificación por edades: No recomendada para menores de 12 años.

LA ERA DIGITAL: NUEVAS FORMAS DE VER CINE

2011-10-18T18:48:00.000+02:00

La Opinión de... LEOmuñoz.
No creo que quede ya una persona sobre la faz de la tierra que no sepa como ver cine online en su ordenador personal, independientemente de que lo haga desde el lado oscuro de la fuerza o desde plataformas de pago. Lo que si es cierto es que la concepción del visionado de cine en nuestros hogares ha cambiado, la prueba evidente es la paulatina desaparición de esa especie en extinción denominada 'videoclub', que tan buenos ratos nos han hecho pasar. Yo, de hecho, todavía frecuento uno que subsiste en mi barrio, y si, sigue teniendo esos expositores donde se colocan una detrás de otra todas las carátulas de los deuvedes en alquiler, como se hacía antaño con los vhs. Bueno, animales en extinción aparte, a lo que voy es que el mercado del visionado de cine está cambiando, pero está cambiando a marchas forzadas y cada minuto que pasa. Actualmente ya existen plataformas de visionado gratuito en streaming (sin descarga) y en calidad HD, ya vale de ver cine de cualquier manera, de mala calidad y con doblajes de esos que parece que cantan en vez de hablar. Me refiero a esas personas que ven cine en su ordenador (o dvd) por el hecho de ser gratis, aunque se halla tirado tres días bajándose la peli, si es que ha tenido la suerte de encontrar lo que quiere a la primera y no ha pillado 'El Apareamiento del Mejillón Cebra en las Galápagos' con el falso título de "Los Piratas del Caribe", por no citar otro tipo de apareamientos. Y cuando por fin ya tienes la peli que querías resulta que es una grabación casera dentro de un cine con un sonido horroroso y la mayoría de las veces con un doblaje latinoamericano, dependiendo de las prisas que le hayan entrado por ver el estreno de turno. Se supone que estamos en la era digital del sonido y la imagen y que casi todo el mundo tiene en su casa una televisión gigante panorámica HD, pero ¿para qué?, pues eso, para ver un bodrio de peli descargada de internet de esas en las que a mitad de metraje ves a un espectador levantarse de la butaca para evacuar sus fluidos internos en el momento clave del metraje. Esto se tiene que acabar, señores que ya se puede ver cine de calidad online gratuitamente!. Plataformas como Voddler.com ya imitan los modelos del campo musical como en su día hizo Spotify al crear una web gratuita para escuchar música con opción de descarga de pago. Voddler nos ofrece lo mismo pero en cine, 'gratis total', calidad HD, versiones originales con subtítulos, etc. Eso sí, si quieres calidad de imagen te recomiendan una conexión ADSL de 3 Mb como mínimo. Entonces, ¿cual es el pero?. No hay ningún pero, Voddler es una plataforma online ya establecida en los países escandinavos y con un éxito más que reconocido. En España todavía están en la versión beta y su catálogo de films es pequeño, lo ideal es conseguir un catálogo con 2000 películas como ofrece ahora en los países del este. Eso sí, si quieres ver una peli que acaba de salir al mercado de video club hay que pagar por visionado o por tarifa plana, pero si no eres de los impacientes con el paso de los meses puedes ir viendo todos los títulos que te apetezca totalmente gratis. ¿Y esto como lo consigue Voddler? Al igual que Spotify y otras plataformas audiovisuales de gratuidad ellos viven de la publicidad que ofertan en sus páginas.

No solo Voddler oferta cine online, también están Cineclick, Filmotech y el gigante americano, Netflix. Este último es la mayor plataforma de distribución de películas en streaming del mundo, con un catálogo de más de 20.000 títulos y estrenos a la vez que el mercado del videoclub, y tan solo por una cuota de cinco euros mensuales sin limite de visionado por película o serie de televisión. Eso sí Netflix todavía no ha desembarcado en Europa, es posible que la veamos por España a principios de 2012.
No nos olvidamos de Filmin.es, nuestra favorita, la especializada en cine independiente, con un catálogo hasta la fecha de 1273 películas y 10 series (y subiendo) que oferta una tarifa plana un poco más cara que Netflix, 10 euros al mes y con 72 horas de límite de visionado.

El futuro ya está aquí, hoy, ahora, en tu misma casa y viendo cine de calidad a precios asequibles e incluso gratis, pero no nos olvidemos que la tecnología hasta ahora no es capaz de recrear las sensaciones que recorren tu cuerpo cuando pones un pie en una sala de cine, o si?

"SON OF BABYLON" DE MOHAMED AL DARADJI

2011-10-16T00:48:00.000+02:00

Por ElEfectoKulechovPuntoCom.
Mohamed Al Daradji (Bagdad, 1978), iraquí formado en Gran Bretaña como cineasta, sólo pudo regresar a su país tras la caída de Hussein. En "Son of Babylon" vuelve a retratar las secuelas de la guerra sobre aquellos que siempre padecen en tierra de nadie los conflictos internacioneles, el pueblo, una abuela y su nieto. iraquíes de a pie, los de siempre, los que sufren la pérdida de familiares, de bienes y propiedades, de almas,... de vidas. Como ya lo hizo en 2005 con "Ahlaam" (Sueños), Mohamed Al Daradji no se posiciona ni muestra frente a la cámara a los causantes del conflicto, no pierde el tiempo en servirnos un plato precalentado de restos políticos que todos ya conocemos, sus protagonistas son esos que siempre pierden, son los que levantan ciudades con el sudor de su sangre.

Sinopsis / En “Son of Babylon” conocemos a Ahmed, un niño kurdo de 12 años que recorre las carreteras del norte de Iraq con su abuela. Ambos buscan al padre del niño, un soldado arrestado por la Guardia Republicana de Saddam al final de la Guerra del Golfo. En su búsqueda se cruzan con otras personas en la misma situación; todos viajan en busca de alguien, de una nueva vida y de un futuro.

Ficha Tecnica / Película: Son of Babylon. Dirección: Mohamed Al-Daradji. Países: Iraq, Reino Unido, Francia, Holanda y Palestina. Año: 2009. Duración: 90 min. Género: Drama. Interpretación: Shehzad Hussen (Um-Ibrahim), Yasser Taleeb (Ahmed), Bashir Al-Majid (Musa). Guion: Mohamed Al-Daradji, Jennifer Norridge y Mithal Ghazi. Producción: Atia Al-Daradji, Mohamed Al-Daradji e Isabelle Stead. Música: Kad Achouri. Fotografía: Mohamed Al-Daradji y Duraid Al-Munajim. Montaje: Pascale Chavance y Mohamed Jbara. Diseño de producción: Alison Jeffery. Distribuidoras: A Contracorriente Films y Aquelarre Cine. Estreno en España: 7 Octubre 2011. Calificación por edades: No recomendada para menores de 7 años.

"LAS RAZONES DEL CORAZÓN" DE ARTURO RIPSTEIN

2011-10-13T18:49:00.000+02:00

La Opinión de... LEOmuñoz.
El mejicano Arturo Ripstein vuelve con un film marca de la casa, un drama intimista, profundo, áspero y desolador. Ripstein garantiza en cada uno de sus films un viaje sin retorno a lo más profundo del alma humana y por supuesto que ese alma siempre camina por el lado oscuro de la mente. "Las razones del corazón" esta rodada en blanco y negro, quizás para remarcar ese estado permanente de angustia y tristeza de la protagonista, Emilia (Araceli Ramírez), que vive en una constante depresión principalmente causada por un amor enfermizo volcado en su amante y que no es correspondido con el entusiasmo que ella demanda. Su asfixia cotidiana se incrementa por la incapacidad de querer y cuidar a su hija, su fracaso como ama de casa y su descontrolado uso del poco dinero que su esposo trae a casa. Su desoladora existencia la encierra en un apartamento que actúa a modo de cárcel física y que Ripstein filma con rabiosa intención, sin ni siquiera sacar la cámara de ese bloque de viviendas, liberando su asedio con la muerte de la protagonista a modo de toma final redentora sobrevolando el edificio y entrando por la ventana hacia el cuerpo moribundo de Emilia, como si la muerte fuese la única capaz de librar del calvario existencial de nuestra protagonista.
En fin, un film duro de ver, sobre todo para espectadores que se encuentren en horas bajas sentimentales y dirigido exclusivamente para amantes del cine de autor, pero que nos regala una fascinante interpretación de Araceli Ramirez. "Las razones del corazón" hizo su presentación en nuestro país dentro de la sección oficial de la 59 Edición del Festival de Cine de San Sebastián y curiosamente se la podría definir como la hermana hardcore de "The Deep Blue See" de Terrence Davis, donde su protagonista Rachel Weisz también sucumbe mentalmente por un adultero amor.

Sinopsis / En “Las razones del corazón” conocemos a Emilia, un ama de casa agobiada por la medianía de su vida, por su marido fracasado, y por su maternidad mal llevada, que siente que se le derrama el vaso de la vida. El mismo día en que la abandona el amante distante, la tarjeta de crédito, con la que ha jugado al gato y al ratón durante meses, la embarga. Ante su apartamento vacío y desolado, la mujer decide suicidarse. Curiosamente, su muerte acerca al marido cornudo y al amante esquivo.

Ficha Técnica / Película: Las razones del corazón. Dirección: Arturo Ripstein. Países: México y España. Año: 2011. Duración: 139 min. Género: Drama. Interpretación: Arcelia Ramírez (Emilia), Vladimir Cruz (Nicolás), Plutarco Haza (Javier), Patricia Reyes Spíndola (doña Ruti), Pilar Padilla (Jaquie), Alejandro Suárez (Jasper), Paola Arroyo (Isabel). Guion: Paz Alicia Garciadiego. Producción: Roberto Fiesco y José María Morales. Música: David Mansfield. Fotografía: Alejandro Cantú. Montaje: Alejandro Ripstein. Diseño de producción: Sandra Cabriada. Vesturario: Laura García de la Mora. Distribuidora: Wanda Visión. Estreno en España: 7 Octubre 2011.

"EL ILUSIONISTA" DE SYLVAIN CHOMET

2011-10-13T10:37:00.000+02:00

Por ElEfectoKulechovPuntoCom.
"El Ilusionista" es el homenaje que el director Sylvain Chomet ha querido ofrecer a ese gran cómico francés heredero de los grandes del cine mudo norteamericano y francés llamado Jacques Tati (Jacques Tatischeff). El film está basado en un guión original de Tati que nunca materializó en 35 milímetros y que ahora ha sido adaptado por Chomet. Curiosamente apreciamos ciertos rasgos de Jacques Tati en el protagonista de este film animado, su esbletez, su delgadez y su peculiar forma de caminar, un homenaje mágico que resume el espíritu Tati de toda su carrera.

Sinopsis / “El ilusionista (L’Illusionniste)” narra las aventuras de un viejo mago que, al comienzo de la década de los 60, viaja acompañado de su inseparable conejo haciendo espectáculos de magia por toda Europa, en un mundo seducido por el rock y la TV en el que la inocencia, la ilusión y la imaginación ya no tienen cabida. Tras partir desde París y pasar por Londres, el ilusionista llega a un pueblecito de Escocia, donde conoce a Alice, una joven que aún posee la ingenuidad y asombro características de la infancia. Ella todavía ignora que le quiere como a un padre; él siente que la ama como a su hija. Durante su convivencia nacerán momentos tiernos y mágicos que les marcarán para siempre…

Ficha Técnica / Película: El ilusionista (L’illusionniste). Título original: L’illusionniste. Dirección: Sylvain Chomet. Países: Reino Unido y Francia. Año: 2010. Duración: 80 min. Género: Animación, comedia dramática. Guion: Jacques Tati. Producción: Sally Chomet y Bob Last. Música: Sylvain Chomet. Dirección artística: Bjarne Hansen. Distribuidora: Sherlock Films. Estreno en Francia: 26 Junio 2010. Estreno en España: 7 Octubre 2011. Apta para todos los públicos.

"PUZZLED LOVE" DE LOS ALUMNOS DE CUARTO CURSO DE LA ESCAC

2011-10-10T19:03:00.001+02:00

La Opinión de... LEOmuñoz.
Rescato este título que no alcanzé a ver durante la 59ª Edición del Festival Internacional de Cine de Sansebastián pero que gracias a Veosanse, la plataforma audivisual de la web del festival, he podido visionar on-line. Y descubro el nivel cinematográfico que se destila en la ESCAC (Escuela Superior Cine y Audiovisuales de Cataluña), que no debe ser casualidad porque ya nos brindaron el año anterior, con premio incluido, "Blog" de Elena Trapé. Este año los chicos del cuarto curso del Grado en Cine y Audiovisuales se han marcado una comedia romántica del estilo chico-conoce-chica mientras estudian con una beca erasmus en Barcelona. Hasta aquí no hay nada destacable que no hayamos visto ya en pantalla, pero (siempre hay un pero) la gracia de la historia es que está contada en 13 capítulos, cada uno distinto el uno del otro, tan distintos que tienen su guión propio, su director propio y técnica cinematográfica propia. Por lo que nos encontramos con 13 pequeñas películas todas ella con el sello particular del director que las dirige pero que encajan perfectamente en la linea argumental principal del film.

Así es, "Puzzled Love" está rodada por 13 directores: Gaby Amione, Pau Balagué, Miriam Cañamares, Josecho de Linares, Gemma Ferraté, Alba Giralt, Alejandro Jovaloyas, Marc Juve, Carlos Pérez-Reche, Eduard Rui, Irene C. Rodriguez, Javier Sanz y Bruno Sarabia. En 26 días de rodaje, 2 por episodio y con 12.000 euros de presupuesto estos chicos han sacado petróleo de sus horas de estudio consiguiendo una comedia romática fresca, moderna, alocada y que aúna 13 visiones distintas de como sacar partido a una cámara de video. Por supuesto que hizo falta más dinero para llevar a cabo este proyecto, 8000 euros más para posproducción y 80.000 que aportó Escándalo Films en materia de derechos de canciones y otros detalles.
Muy recomendable para los que quieran comprobar las posibles nuevas expectativas que nos depara el cine español con esta cantera de realizadores que no se achica ante nada.

"EL ARBOL DE LA VIDA" DE TERRENCE MALICK O COMO JUGAR A SER DIOS

2011-10-07T13:43:00.000+02:00

La Opinión de... LEOmuñoz.
Buff, comienzo a escribir esta reseña y todavía estoy masticando la última mega-obra de Malick, el filósofo-poeta-religioso de la vida que pretende abarcar en un metraje de dos horas y veinte minutos los temas más trascendentales de la existencia humana, leasé el origen del universo, los planetas, la tierra, los organismos unicelulares, la evolución de las especies, la creación de la vida, la interpretación de la muerte y el comportamiento humano dependiendo de la educación que cada uno recibamos. Y todo ello bajo el prisma de una familia de clase media tejana de la américa de los años 50 con toda la carga religioso-cristiana que ello conlleva. Pero aún hay más y es lo más importante, su puesta en escena se carga toda narrativa convencional y nos muestra la acción con imágenes y música anulando todo diálogo convencional entre actores y suspendiendo la cámara en un limbo existencial que envuelve todo el metraje, con unas narraciones en off de los personajes principales a modo de pensamientos íntimos, con los que expresan lo que le piden a Dios, a su padre y a la vida en general.
No hay que dudar de que en "El Árbol de la Vida" nos encontramos ante una nueva forma de hacer cine, una nueva forma de transmitirnos algo distinto, lo que Terrence Malick pretende es capturar sensaciones intangibles y mostrarlas saltándose todas las reglas hasta ahora establecidas en el cine convencional. Su guión no obedece a estructuras lógicas, donde apenas intuimos el orden de las cosas que pretende mostrar, creación de la vida, crecimiento y educación del hombre, muerte y redención. Sus personajes apenas dialogan frente a la cámara, no hay trama alguna, se puede decir que se limitan a vivir, que no es poco. Malick juega un poco a ser Dios, intentando filmar y empaquetar en el mismo lote esta mastodóntica y casi pretenciosa producción bíblica. No me extrañaría nada que este film sea utilizado por algunos clérigos como referente para mostar a sus fieles el camino que hay que seguir hacia la gracia de Dios. Comparto totalmente con mi compañera Marta lo que dice en su reseña de la falta de universalidad espiritual, pero claro el que ha hecho la peli ha sido Malick y está claro que profesa cristianamente el catolicismo. Y eso se nota en la premisa principal de film cuando la voz en off de la madre da a conocer los dos caminos que hay en la vida, 'el camino de la naturaleza' y 'el camino de la gracia' y, como no, parece ser que el hombre solo alcanzará la paz espiritual si elige el camino de la gracia. Incluso me atrevería a decir que la figura de Dios abre el film a modo de nebulosa espacial creadora de todo el universo y que misteriosamente es la última imagen que Malick decide mostrar antes de los títulos de crédito.
Aún así hay que reconocer el gran esfuerzo que este director ha acometido creando una forma de expresión cinematográfica distinta, aunque por el momento solo sea reconocido por una parte de la cinefília universal, ya que el gran público no está preparado para esto.

Sinopsis / “El árbol de la vida” es un canto a la vida. Busca respuestas a las preguntas más inquietantes, personales y humanas; a través de un caleidoscopio de lo íntimo y lo cósmico, que va de las emociones más descarnadas de una familia de un pequeño pueblo de Texas a los límites infinitos del espacio y del tiempo, de la pérdida de la inocencia de un niño a los encuentros transformadores de un hombre; y lo hace con sobrecogimiento, asombro y trascendencia a través de una historia impresionista de una familia del medio-Oeste americano en los años cincuenta, que sigue el transcurso vital del hijo mayor, Jack, a través de la inocencia de la infancia hasta la desilusión de sus años de madurez, en su intento de reconciliar la complicada relación con su padre (Brad Pitt). Jack (como adulto, interpretado por Sean Penn) se siente como un alma perdida en el mundo moderno, en busca de respuestas sobre el origen y significado de la vida, a la vez que cuestiona la existencia de la fe. A través de la imaginería singular de Malick, vemos cómo, al mismo tiempo naturaleza bruta y gracia espiritual construyen no solo nuestras vidas como individuos y familias, sino toda vida existente.

Ficha Técnica / Película: El árbol de la vida. Título original: The tree of life. Dirección y guion: Terrence Malick. País: USA. Año: 2011. Duración: 141 min. Género: Drama. Interpretación: Brad Pitt (Sr. O’Brien), Sean Penn (Jack), Jessica Chastain (Sra. O’Brien), Fiona Shaw (abuela), Irene Bedard (mensajera), Hunter McCracken (Jack joven), Laramie Eppler (R.L.), Tye Sheridan (Steve). Producción: Dede Gardner, Sarah Green, Grant Hill, Brad Pitt y William Pohlad. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Emmanuel Lubezki. Montaje: Mark Yoshikawa. Diseño de producción: Jack Fisk. Vestuario: Jacqueline West. Distribuidora: Tripictures. Estreno en USA: 27 Mayo 2011. Estreno en España: 16 Septiembre 2011. Apta para todos los públicos.

"LOS PASOS DOBLES" DE ISAKI LACUESTA, CONCHA DE ORO 2011

2011-10-06T18:08:00.000+02:00

La Opinión de... LEOmuñoz.
Es de obligado cumplimiento escribir en este blog sobre la Concha de Oro de la 59ª Edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián. Sobre todo si presumimos de haberla visto in situ en Donosti, en el ojo del huracán, donde la crítica especializada alzó su voz contra el jurado, y donde incomprensiblemente el director mejicano de "Las Razones del Corazón", Arturo Ripstein, arremetió contra el director del festival y contra el jurado en pleno por haberse quedado sin premio y concedérselo a "Los Pasos Dobles" de Isaki Lacuesta: 'este era un festival realmente serio, era de los cinco de Europa y, de pronto, es subnormal'. Me huele a pataleta de niño mimado o a refunfuño senil, más aún sabiendo que este señor ha ganado en San Sebastián dos Cochas de Oro, una en 1993 y otra en el año 2000. 'Bocachanclas' a parte, yo tampoco voy a ser de los que defienda este film principalmente porque su deslavazada puesta en escena y sus, en ocasiones, pintorescas por no decir ridículas secuencias no aclaran la dirección del guión y el espectador parece navegar por tierra de nadie intentado dilucidar si lo que ve es un engendro de western documental o una sátira ficción sobrenatural salpicados por las pinceladas (magistrales) de un observador al margen del metraje llamado Mikel Barceló. Lo siento pero mi interés cinematográfico no es captado por esta pseudofábula de las artes plásticas que supongo irá dirigido hacia un público más ducho en la materia capaz de acompañar a Isaki Lacuesta por este camino labrado por su personalísimo cine de autor.
Ahora bien, jamás se me ocurrirá criticar a un pequeño grupo de personas denominadas jurado que han apostado por un film que verdaderamente ha llegado a su corazón y al que seguro les ha aportado algo que no han encontrado en el resto de la sección oficial. Siempre será la opinión de un determinado grupo de personas tan cambiante y dispar como tantos otros grupos quieras formar, el cine es una creación personal para ser digerida por una percepción personal, por eso yo y unos cuantos más nos comimos esto con patatas.

Sinopsis / La mejor forma de huir de tus perseguidores sin dejar rastro es caminar hacia atrás, sobre tus propias huellas. Eso creía François Augiéras, que cubrió de pinturas un búnker militar en el desierto y luego lo dejó hundirse en la arena para que nadie lo encontrara hasta el siglo XXI. ¿Pero quién es Augiéras? ¿Legionario, pintor, escritor, pistolero, santo, ladrón, diablo o una mezcla de todo ello?

Ficha Técnica / Película: Los pasos dobles. Dirección: Isaki Lacuesta. Países: España y Suiza. Año: 2011. Duración: 90 min. Género: Drama. Interpretación: Miquel Barceló, Josef Nadj, Amon Dolo, Amasagú Dolo, Bokar Dembele, Alou Cissé, Soumaila Sabata, Mamadou Camara. Guion: Isaki Lacuesta e Isabel Campo. Producción: Luisa Matienzo. Música: Gerard Gil. Fotografía: Diego Dussuel. Montaje: Domi Parra. Diseño de producción: Sebastian Birchler. Distribuidora: Avalon. Estreno en España: 23 Septiembre 2011. No recomendada para menores de 7 años.

EL ÁRBOL DE LA VIDA. NO APTA PARA NO CREYENTES.

2011-10-05T12:54:00.005+02:00

La opinión de... Marta López-Araquistain

Cuando uno se enfrenta a una película como El árbol de la vida debe ir con la mente abierta, para dejarse llevar por un mundo, aparentemente, espiritual. Pero si, como yo, esperas una universalidad en la historia, una espiritualidad abierta y perteneciente a toda la raza humana te equivocarás de pleno. Rezuma, por todos sus poros (o fotogramas) de cristiandad, tradición y una visión occidentalizada y sesgada de la realidad. Es la espiritualidad de Malick, pero desde luego no se aproxima ni levemente a mi fuero interno. No habla de espiritualidad, habla de la espiritualidad cristiana. Cerrada y masticada. No evoca, adoctrina.

No voy a negar la enorme calidad de las imágenes que, por sí mismas, merecen la consideración de obra de Arte. Tampoco voy a negar la genialidad de su banda sonora de, un siempre acertadísimo, Alexandre Desplat. De hecho la primera media hora de metraje es una gran propuesta, interesante y diferente. Pero a partir de ahí me saca de la historia a patadas. Es totalmente prescindible la interpretación de Sean Penn (desperdiciado) pareciendo más un reclamo publicitario que necesario para el discurrir de la historia. Además exagera el drama hasta volverlo esperpéntico (¿Quién se cree la culpabilidad exagerada del niño por el momento del camisón o sus deseos de matar a su padre?). Necesita un drama para contarnos las ansias espirituales de sus protagonistas. Tal vez eso es lo que quiere representar. La necesidad de espiritualidad del ser humano en sus momentos de flaqueza. Me recuerda a Clint Eastwood con su película Más allá de la vida. Ambas buenas películas. Ambas fervientes creyentes de la existencia del más allá. ¿Será que ambos directores atraviesan ese momento en la vida en que sienten la muerte cerca y necesitan refugio? Seguramente todo ser humano pasaremos por él. O tal vez no.

"SOMEWHERE" DE SOFIA COPPOLA

2011-10-04T17:49:00.000+02:00

Por ElEfectoKulechovPuntoCom.
Uff, espero equivocarme pero me huele a truño el nuevo estreno de Sofía Coppola, lo siento pero tengo a esta señorita atragantada hasta lo más profundo de mi exófago. Ya vi la anodina "Las Virgenes Suicidas" (1999) y la soporífera "Lost in Translation" (2003), aunque no tiro la toalla y todavía pienso rescatar su tercer título como directora "María Antonieta" (2006), ya que creo que sera difícil que me duerma sabiendo que es un musical. Así que ya véis las ganas que tengo de ver esta "Somewhere" que tiene pintas de ser calcadita a "Lost in Translation", con hotel incluido, pero perdiendo el encanto que tenía la megaurbe nipona. Repito, espero meter la pata hasta el fondo prejuzgando de peñazo el último trabajo de Sofía (León de Oro en Venecia a Mejor Película incluido) porque eso significaría que por fin la niña prodigio despierta de su letargo, si es así prometo devolver mi 'Oscar' al Bloggero mas pretencioso del planeta cinefilia. / por LEOmuñoz.

Sinopsis / “Somewhere” es una historia intimista que transcurre hoy en día en Los Ángeles. Johnny Marco es un actor de primera línea con perfil de chico malo, que tropieza por una vida llena de excesos. Vive en el legendario hotel Chateau Marmont de Hollywood, se pasea en su Ferrari y sus días son una neblina de alcohol, mujeres y fans. Arropado en esta celebridad inducida por un mundo artificial, Johnny ha perdido todo sentido de su verdadero ser. Hasta que un día, su hija de 11 años, Cleo, fruto de su fracasado matrimonio, se presenta en el hotel inesperadamente y comienza a ser su ancla con la realidad. Sus encuentros hacen que se enfrente a la cuestión de dónde se encuentra en su vida y a la pregunta que todos debemos afrontar: ¿qué camino tomarás en ella?

Ficha Técnica / Película: Somewhere. Dirección y guion: Sofia Coppola. País: USA. Año: 2010. Duración: 97 min. Género: Drama. Interpretación: Stephen Dorff (Johnny Marco), Elle Fanning (Cleo), Michelle Monaghan (Rebecca), Laura Chiatti (Sylvia), Chris Pontius (Sammy), Benicio del Toro, Amanda Anka (Marge), Ellie Kemper (Claire). Producción: G. Mac Brown, Roman Coppola y Sofia Coppola. Música: Phoenix. Fotografía: Harris Savides. Montaje: Sarah Flack. Diseño de producción: Anne Ross. Vestuario: Stacey Battat. Distribuidora: Vértigo Films. Estreno en USA: 22 Diciembre 2010. Estreno en España: 30 Septiembre 2011. Calificación por edades: No recomendada para menores de 7 años.

"LA PIEL QUE HABITO", LA DERMIS MÁS SUPERFICIAL DE ALMODÓVAR

2011-10-03T19:05:00.000+02:00

La Opinión de... LEOmuñoz.
La última de Almodóvar no trasciende ni entusiasma y no piensen que van a ver, como se ha dicho por ahí, un nuevo Almodóvar con otra visión sobre el cine. Almodóvar es Almodóvar ayer, hoy y siempre, su sello es inconfundible y nunca abandonará esa forma tan particular de presentar las tramas y sus personajes casi rayando lo telenovelesco. Pasiones, traiciones, traumas, mutilaciones, grandes secretos familiares y toda una galería de sentimientos encendidos y sobreexcitados conviven cara a cara con la mas reconocible cotidianidad del espectador medio. Ni tampoco renunciará a esa costumbre suya de introducir en el guión secuencias, sketchs o déjà vu descontextualizando la acción principal del film y a menudo discurriendo por la cuerda floja del chiste absurdo. Fue, es y será un cineasta particular capaz de servirnos en bandeja grandes películas como "Todo Sobre mi Madre", "Volver" o "Los Abrazos Rotos" y capaz de, como en este caso, dejarnos insulsos en nuestras butacas esperando algo. Esperando que Marilia (Marisa Paredes) se involucre algo más en la trama y no que aparezca como la sustituta de la voz en off que nos cuenta el pasado del protagonista, esperando que esa transición entre el personaje de Vicente (Jan Cornet) y el de Vera (Elena Anaya), pilares fundamentales del film, se muestre como el verdadero trauma que significa y no que se limita a la pura transformación quirúrgica de un hombre en mujer, ¡que desperdicio! Esperando también que la magnífica interpretación de Antonio Banderas no haya sido un espejismo al quitarle valor convirtiéndolo en un fantoche ingenuo que pretende que la fiera enjaulada se convierta en perro lazarillo como por arte de magia. Y esperando por último esos maravillosos e hipnóticos diálogos que ha regalado a personajes de la talla de Manuela (Cecilia Roth), Huma Rojo (Marisa Paredes), Raimunda (Penelope Cruz), Sole (Lola Dueñas), abuela Irene (Carmen maura), Harry Caine (Lluis Homar) o Judith García (Blanca Portillo) y que en "La Piel que Habito" brillan por su clamorosa ausencia.
En fin, un film de puro corte almodovariano, con tigrinho incluido, que se deja ver por aquellos que conocen las maneras de Almódovar pero que defraudará a aquellos que esperan el vuelco que nunca se dará en la cinematografía del manchego universal.

"NO HABRÁ PAZ PARA LOS MALVADOS" DE ENRIQUE URBIZU

2011-10-03T18:07:00.000+02:00

Por ElEfectoKulechovPuntoCom.
Enrique Urbizu se erige con este largo en el maestro español de cine negro. Ya lo demostró en 2002 con "La Caja 507" en donde también utilizó como protagonista al sobresaliente José Coronado y lo demuestra de nuevo en "No Habrá Paz para los Malvados", un ejercicio impecable de género capaz de sobrepasar en calidad a cualquiera de las fallidas superproducciones patrias que tantos sinsabores nos han dado. Urbizu, por favor, sigue citando al profeta Isaías y ponle título ya a tu próxima obra, te doy una pista "Ojalá no tengamos que esperar otros ocho años".
Otros films recomendables de Urbizu: "La Vida Mancha" (2003)

Sinopsis / “No habrá paz para los malvados” nos sitúa en Madrid, un domingo cualquiera, otro más, en el que el inspector de policía Santos Trinidad, de camino a casa, ya muy borracho, se ve involucrado en un triple asesinato. Pero hay un testigo que consigue escapar y que podría incriminarle. Santos Trinidad inicia la caza del hombre, emprende una investigación destinada a localizar y eliminar al testigo. Mientras tanto, la juez Chacón, encargada de la investigación del triple crimen, avanza meticulosamente en la búsqueda del asesino. Ambos, Santos y Chacón, van a descubrir que nada es lo que parece, y lo que empieza siendo un simple caso de tráfico de drogas, desembocará en algo mucho más peligroso. Sólo Santos parece ser capaz de impedirlo, siempre que la juez Chacón no consiga detenerle antes.

Ficha Técnica / Película: No habrá paz para los malvados. Dirección: Enrique Urbizu. País: España. Año: 2011. Duración: 109 min. Género: Thriller. Interpretación: José Coronado (Santos Trinidad), Rodolfo Sancho (Rodolfo), Juanjo Artero (Leiva), Helena Miquel (juez Chacón), Pedro María Sánchez (Ontiveros), Nadia Casado (Celia). Guion: Enrique Urbizu y Michel Gaztambide. Producción: Gonzalo Salazar-Simpson y Álvaro Augustín. Música: Mario de Benito. Fotografía: Unax Mendía. Montaje: Pablo Blanco. Dirección artística: Antón Laguna. Vestuario: Patricia Monné. Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España. Estreno en España: 23 Septiembre 2011. No recomendada para menores de 12 años.

FESTIVAL DE SAN SEBASTIAN 2011: 22 PELICULAS EN CINCO DÍAS

2011-09-29T18:46:00.002+02:00

La opinión de... LEOmuñoz.
La verdad es que este año si que puedo hacer un balance general de lo que representa asistir a un festival internacional de cine del nivel de San Sebastián. Aunque no he podido ver la sección oficial al completo y se me han escapado títulos como "No Habrá Paz para los Malvados" de Urbizu y "Take this Waltz" de Sarah Polley, si que los 22 títulos a los que he podido asistir me permiten tener una perspectiva más completa de lo que representa Donostia Zinemaldia para un amante del cine.
Al margen de lo que opine el jurado de este y otros festivales, que no deja de ser mas que la opinión personal de un reducido grupo de personas, nunca extrapolable a los gustos y sensaciones captadas por el resto de integrantes de la comunidad cinéfila, intentaré valorar objetivamente lo visto en la 59ª Edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

En general este año 2011 ha superado con creces en calidad al año anterior cosechando un pequeño grupo de películas destacables que merecen la pena ver en pantalla grande. Comenzamos con el film al que yo hubiera dado la Concha de Oro si hubiese competido en la sección oficial, me refiero a la iraní "Nader y Simin, una separación" de Asghar Farhadi ("A Propósito de Elly" / 2009). Un film que participaba en la sección Zabaltegui-Perlas de otros festivales, y en concreto esta venía de haberlo ganado todo en la Berlinale, Oso de Oro a la Mejor Película y el Oso de Plata al Mejor Actor y Actriz. El film cuenta como se complican las cosas en la vida de Nader cuando se ve obligado a contratar a una mujer para que cuide de su padre enfermo de alzheimer al separarse de su esposa e irse a vivir ésta con su madre. Todo se derrumba cuando la hija de ambos se ve involucrada en la maraña de mentiras y manipulaciones que los adultos tejen a su alrededor, todo el mundo oculta algo en su interior por lo que avergonzarse.

Otro film muy recomendable y que me sirvió para inaugurar el festival (domingo 28 de septiembre a las 19:30 en el Teatro Principal) y la sección oficial, augurando una prometedora jornada, fue "The Deep Blue Sea" de Terence Davies, con la bella Rachel Weisz en su reparto, y muy bien acompañada por Tom Hiddleston. La verdad es que Rachel podía haberse llevado tranquilamente el premio a la Mejor Actriz del festival al interpretar magistralmente a Herster Collier, una mujer que lleva una vida privilegiada como esposa de un juez del Tribunal Supremo, pero para asombro de todos los que le rodean deja a su marido para irse a vivir con un joven ex-piloto de la RAF del que se ha enamorado profudamente. También aposté para el premio de fotografía por este film ambientado en el Londres de la posguerra, cuya iluminación ha sido trabajada minuciosamente en cada escena, nada se ha dejado al azar y su influencia dentro del conjunto es tal que llega a convertirse en un personaje mas.

También merece mención aparte el hipnótico film de Steve McQeen, "Shame" proyectado dentro de la sección Zabaltegui Nuevos Directores y que nos cuenta el descenso a los infiernos de su protagonista, Michael Fassbender ("Hunger", "X-Men: Primera Generación"), un yuppi neoyorquino adicto al sexo, incapaz de relacionarse con nadie con el que no pueda practicar sus mas oscuras fantasías sexuales. Un film que sorprende por la contundencia de las excenas sexuales y por la interpretación del actor masculino protagonista (Copa Volpi al Mejor Actor en La Mostra de Venecia) y de la actriz secundaria, Carey Mulligan ("An Education", "Nunca me abandones", "Drive").

Cambiando totalmente de género nos pasamos a la comedia coral filmada por Julie Delpy ("Tres Colores: Blanco", "Tres Colores: Rojo", "Flores Rotas"), una de las actrices francesas con mayor proyección interncional y que se ha pasado a la no menos complicada tarea de dirección ("Looking for Jimmy", "The Countess" y "Dos Días en París") a la vez que co-protagoniza la cinta titulada "Le Skylab". Este retrato familiar esta ambientado en 1979, justo el año en que corría la noticia de que la primera estación espacial estadounidense Skylab podría caer sobre Francia en su viaje de regreso a la tierra. Esta premisa es utilizada por Julie Delpy para recrear el paso de la niñez a la madurez de Albertin, una niña de 10 años que se reúne en la época estival con toda la familia alrededor de la abuela para celebrar su cumpleaños. La maestría de Julie Delpy para rodar este film coral en el que aparecen en la misma escena y con bastante frecuencia una media de 15 actores es de admirar. No solo por lograr captar la naturalidad de un encuentro familiar masivo alrededor de una mesa, donde los comensales charlan por grupitos y la cámara pasa de unos a otros escuchando sus historias y perfilando las personalidades de cada uno de los presentes, sino también por ser capaz de plasmar una época tan añorada y fructífera (por lo menos para mi) como fue el comienzo de los 80. Y es que este encuentro familiar con sus discusiones, cánticos, chistes, problemas, rifirrares, guateques e incluso primeros amores nos radiografía minuciosamente la situación política y social de la Francia amenazada por el Skylab, aunque esta amenaza no tenga ningún rigor científico y tan solo represente el sentir de una sociedad ante el desbocado avance tecnológico que estaban presenciando. En fin, que el Premio Especial del Jurado del Festival de San Sebastián de esta edición no ha podido ser mas acertado (no ha ocurrido lo mismo con al Concha de Oro) y que realmente no se arrepentirán de ver este film cuando lo estrenen en nuestras salas, les garantizo 114 minutos entrañables, divertidos y optimistas con el núcleo familiar como centro catalizador de nuestras vidas.

La sorpresa del festival (grata, por supuesto) vino de la mano del género de animación made in Spain, que tanto talento exporta fuera de nuestro país, y que nos regaló esta joya cinéfila titulada "Arrugas" de Ignacio Ferreras, en la que se trata el alzheimer en particular y la vejez en general con una delicadeza y sensibilidad nunca antes vista. Quizás haya resultado totalmente determinante, para que el film haya calado tanto en el público, la elección del género de animación a la hora de tratar de lleno esta realidad social, que puede caer en ciertos tópicos si se hubiese rodado con actores reales. El hecho es que la película se digiere mucho mejor y el mensaje se transmite de una manera mucho más eficaz al comtemplar la soledad, la incomunicación, el abandono y el sufrimiento al que sometemos a nuestros ancianos en personajes animados que nos permiten mantener cierta distancia con un tema tan peliagudo de plasmar en un largometraje.

Dejo en el tintero, para próximas ocasiones, las reseñas de otro grupo de peliculas de las que me gustaría escribir con más pausa, por la trayectoria de sus directores y por la calidad de las películas que también se presentaron en el festival. Me refiero a títulos como la sueca "Happy End" de Björn Runge, la joponesa "Kiseki" (Milagro) de Hirokazu Kore-eda, la portuguesa "Sangue do meu Sangue" (Sangre de mi Sangre) de Joäo Canijo, la mejicana "Las Razones del Corazón" de Arturo Ripstein, la norteamericana "Rampart" de Oren Moverman y, como no, la española de Benito Zambrano "La Voz Dormida".

"THE LADY", LUC BESSON Y EL ARTE CALLEJERO

2011-08-24T11:46:00.000+02:00

Por ElEfectoKulechovPuntoCom.
"The Lady" es el título del último film que ha rodado Luc Besson (menos mal que se iba a retirar, eh?)
y que estrenará el 12 de septiembre en el Festival de Toronto. Narra la vida de la activista birmana y premio Nobel de la Paz, Aung San Suu Kyi (Michelle Yeoh / "Tigre y Dragon"), encerrada durante la mayor parte de los últimos 20 años bajo arresto domiciliario y puesta finalmente en libertad hace unos meses.
Pero en relidad la razón principal de esta entrada en este blog es por el cartel de la peli, que sin duda alguna será la mayor represenación artística de este proyecto. Su autor es el reconocido artista callejero Shepard Fairey ("Exit Through the Ghift Shop") que ha basado el cartel en una de sus obras creada en 2009. Fairey es más conocido en el mundo del grafiti como 'Obey', por su emblemática creación en wheatpaste y en pegatinas de la cara del luchador televisivo André el Gigante y la palabra OBEY (OBEDECE), pero sobre todo por la conocidísima imagen 'HOPE' que posteriormente se utilizaría para la campaña presidencial de Barak Obama.

PREMIO DE LA CRITICA INTERNACIONAL, "THE TREE OF LIFE" DE TERRENCE MALICK

2011-08-23T13:00:00.000+02:00

Por ElEfectoKulechovPuntoCom vía sansebastianfestival.com

Dentro del marco de la 59ª edición del Donostia Zinemaldía se hará entrega a "The tree of life" al Premio FIPRESCI que otorga la crítica internacional al Mejor Film del año. Este ha sido el resultado final de la votación de 205 críticos pertenecientes a La Federación Internacional de La Prensa Cinematográfica. La entrega del premio tendrá lugar durante la gala de inauguración de la 59 edición del Festival de San Sebastián, el próximo 16 de septiembre en el Auditorio Kursaal.

trailer

GLENN CLOSE PREMIO DONOSTIA 2011

2011-08-19T14:03:00.001+02:00

Por ElEfectoKulechovPuntoCom.
Glenn Close ha sido la actriz elegida este año para ser premiada en el marco del Festival Internacional de Cine de San Sebastián con el Premio Donostia 2011. Y es que esta actriz se ha ganado el reconocimiento internacional labrandose una inteligente carrera dentro del star system holywoodiense, y esta es una tarea muy complicada en una industria en la que hay que lidiar con las grandes productoras de cine comercial que tanto pueden lanzarte al estrellato como engullirte en su propia maquinaria.
Una muestra de su brillante filmografía son sus interpretaciones en films como "Atracción Fatal" (1987), "Amistades Peligrosas" (1988), "Hamlet" (1990), "The Paper" (1994) o "Las Mujeres Perfectas" (2004).

"METROPIA", INEDITA EN ESPAÑA, SE LANZA DIRECTAMENTE VIA FILMIN

2011-08-19T12:08:00.000+02:00

Por ElEfectoKulechovPuntoCom.
"Metropía" es un film inédito en España que se presentó el 5 de octubre de 2009 en el Festival Interncional de Cine Fantástico de Sitges. En este film sueco destaca No encontró distribución en nuestro país y ahora lo ha rescatado la plataforma online de cine independiente más importante en España, FILMIN.ES
Filmin es un ambicioso portal creado en 2006 por un grupo de compañías que apuestan por la calidad en el servicio de visionado online de películas: Alta Films, El Deseo, Golem, Tornasol, Vértigo Films, Wanda Visión y Cameo. A este grupo de empesas cinematográficas se ha unido una compañía líder en el diseño online, Vostok. Asimismo en filmin contamos con la colaboración de las compañías especializadas en transmisión de vídeo por Internet, Ikuna (con sede en Madrid) y Ooyala (con sede en San Francisco).

Tarik Saleh ha dirigido varios documentales premiados incluyendo "Gitmo - Nuevas Reglas de la Guerra" (2005) que ganó el premio almejor documental en el Festival de Cine de Seattle y la Mención Especial del Jurado en Festival de Cine de Miami. "Sacrificio - Otto Frank y el Che Guevara" (2001) ganó el primer premio en el Festival Internacional de Cine de Cuba, Portugal, Brasil. También es uno de los fundadores del Atmosfera Media Network, donde creó una compañía de animación que ha rodadop más de 30 cortos. También ha escrito y producido dos series dramáticas de televisión para la televisión sueca SVT (A Different Class y Dream Team).

Sinopsis:
“Metropia”, con su innovadora técnica de fotomontaje animado, arranca en un futuro cercano en el que una gran compañía, Trexx, ha optado por unir todos los metros de Europa para paliar la crisis del viejo continente. Roger, que oye voces en su cabeza cada vez que entra en el metro, se verá envuelto en una conspiración kafkiana cuando se cruce en su camino la modelo de su champú favorito.

Ficha Técnica:
Dirección: Tarik Saleh. Países: Suecia, Dinamarca, Noruega y Finlandia. Año: 2009. Duración: 80 min. Género: Animación, ciencia-ficción. Doblaje original: Vincent Gallo, Juliette Lewis, Udo Kier, Stellan Skarsgård, Alexander Skarsgård, Sofia Helin. Guión: Stig Larsson, Fredrik Edin y Tarik Saleh. Producción: Kristina Aberg. Música: Kristen Linder. Fotografía: Sesse Lind. Montaje: Johan Söderberg. Dirección artística: Martin Hultman.

"ARRIETY Y EL MUNDO DE LOS DIMINUTOS" DE HIROMASA YONEBAYASHI

2011-08-16T18:46:00.000+02:00

Por ElEfectoKulechovPuntoCom.
Nuevas generaciones sobrevuelan los estudios Ghibli, en cuanto a la nueva dirección de material cinematográfico se refiere. El maestro Hayao Miyazaki (fundador de los estudios) esta vez solo firma el guión de este film inspirado en la célebre novela infantil 'Los incursores' y cede las tareas de dirección a su discípulo y debutante Hiromasa Yonebayashi. Nos apuntamos el nombre de este director para seguirle la pista, seguro que no tarda en destacar si ha tenido un maestro como Miyazaki.

Sinopsis:
“Arrietty y el mundo de los diminutos” cuenta la historia de una familia de pequeños seres, de apenas 10 cm. de longitud, que viven en una casita oculta bajo las tablas del suelo de una mansión campestre. Estos diminutos seres tienen la norma de no dejarse ver nunca por los humanos; sin embargo, su tranquila existencia cambia cuando la joven Arrietty, una audaz adolescente, es vista accidentalmente por un niño que se acaba de establecer en la casa debido a su delicada salud. Entre ambos surgirá una fuerte amistad, pero a la vez la existencia de estos seres se verá peligrosamente amenazada.

Ficha Técnica

Película: Arrietty y el mundo de los diminutos. Título original: Karigurashi no Arrietty. Dirección: Hiromasa Yonebayashi. País: Japón. Año: 2010. Duración: 94 min. Género: Animación, fantasía. Guion: Hayao Miyazaki y Keiko Niwa; basado en la novela de Mary Norton. Producción: Toshio Suzuki. Música: Cécile Corbel. Fotografía: Atsushi Okui. Montaje: Rie Matsuhara. Dirección artística: Yôji Takeshige y Noboru Yoshida. Distribuidora: Aurum. Estreno en Japón: 17 Julio 2010. Estreno en España: 16 Septiembre 2011

! CORT...EN ¡ 2011 PLIEGA LA TERRAZA DEL CAFETIN HASTA EL 16 DE SEPTIEMBRE

2011-08-12T13:20:00.000+02:00

Por ElEfectoKulechovPuntoCom.
La terraza del Cafetín plegó ayer sus 300 asientos en la cuarta y última función del Festival Corten 2011. Estas dos últimas noches la temperatura nos ha acompañado gratamente y la mítica Travesía Paletillas ha rebosado de público para disfrutar de cine en corto al aire libre. Y es que Alex (propietario del Bar Cafetín) ha transformado este rincón de la ciudad en un oasis cinéfilo que hace las delicias de los aficionados cada vez que estrenamos mes de agosto. Ahora finalizado el ciclo de proyecciones se da paso al tiempo de reflexión en el que el jurado tendrá que sacar sus conclusiones para otorgar el gran premio, así como el premio al Mejor Realizador Menor de 30 años. Pero estos premios junto con la sabia decisión del público asistente que hace entrega al Premio del Público no se conocerán hasta la Ceremonia de entrega de Premios Oficial que se celebrará en el Teatro Ideal Cinema de Calahorra el próximo viernes 16 de septiembre. Suerte a todos!

RETROSPECTIVA: CINE NEGRO AMERICANO 1990-2010 EN LA 59ª EDICION DEL FESTIVAL DE SANSEBASTIAN

2011-08-11T17:45:00.001+02:00

Por ElEfectoKulechovPuntoCom vía www.sansebastianfestival.com
38 joyas del moderno cine negro norteamericano se darán cita en la retrospectiva que presentarán los cineastas Walter Hill y James Gray dentro del marco del Festival de Cine de San Sebastián. Los títulos elegidos discurren entre las dos últimas décadas del cine actual visitando a directores de la talla de Martin Scorsese, Abel Ferrera, Hermanos Coen, David Lynch, David Mamet, Sean Penn, Jonathan Demme,
Paul Verhoeven, Quentin Tarantino, James Gray, Michael Mann, David Fincher, Kathryn Bigelow, Steven Soderbergh, Walter Hill, Curtis Hanson, Jim Jarmusch, Spike Lee, Christopher Nolan, Antoine Fuqua, Clint Eastwood, Sidney Lumet y Ami Canaan Mann (la hija de Michael Mann) que abrirá la retrospectiva estrenando su último trabajo titulado "TEXAS KILLING FIELDS".
Esta es una ocasión única para poder disfrutar en pantalla grande y en versión original esos nuevos clásicos del cine negro que algunos no tuvimos la oportunidad de ver en un cine, ¿te vas a perder "Reservoir Dogs" de Quentin Tarantino o "Corazón Salvaje" de David Lynch, por poner algún ejemplo?

Lista completa de los títulos que conforman la retrospectiva:

GOODFELLAS (Uno de los nuestros, 1990) de Martin Scorsese
Desde pequeño Henry Hill quiso ser un gánster… y lo consiguió empezando a trabajar para los tipos más duros del barrio. Martin Scorsese no cree en visiones idealizadas y retrata el mundo de la mafia con un grado de realismo y verosimilitud raras veces visto, toda una inspiración para la serie Los Soprano. Una obra maestra del género.

KING OF NEW YORK (1990) de Abel Ferrara
Christopher Walken, en uno de los mejores papeles de toda su carrera, encarna a Frank White, un traficante de drogas dispuesto a eliminar a sus competidores con un particular código ético: “Nunca mato a nadie que no se lo haya merecido”. Abel Ferrara dirige esta dura historia con el pulso que caracteriza su mejor cine.

MILLER’S CROSSING (Muerte entre las flores, 1990) de Joel Coen
Los hermanos Coen rinden un sentido homenaje al cine negro clásico con un film repleto de brillantes diálogos e imágenes inolvidables. Libremente inspirada en la novela de Dashiell Hammett Cosecha roja, la película cuenta las peripecias del duro e impasible Tom Regan en medio de una guerra de gánsteres. Concha de Plata al Mejor Director en el Festival de San Sebastián.

WILD AT HEART (Corazón salvaje, 1990) de David Lynch
La road movie nunca fue tan apasionada e indomable como en esta polémica adaptación de una novela de Barry Gifford a cargo de David Lynch. El ex convicto Sailor seduce a Lula y huye con ella a California, pero la madre de la joven contrata a un asesino para que acabe con él. Su travesía por las carreteras americanas deja un reguero de violencia.

HOMICIDE (Homicidio, 1991) de David Mamet
El prestigioso dramaturgo David Mamet se acerca al cine negro para contar la inquietante historia de un policía judío que, durante una rutinaria investigación de un asesinato, descubre una oscura conspiración. Protagonizan dos imprescindibles actores de carácter: Joe Mantegna y William H. Macy.

THE INDIAN RUNNER (Extraño vínculo de sangre, 1991) de Sean Penn
El actor Sean Penn debutó como director con este sombrío drama sobre la relación entre dos hermanos y sus diferentes maneras de encarar la vida: uno cree en la familia y la vida, el otro es violento y destructivo. David Morse y Viggo Mortensen protagonizan el film.

NEW JACK CITY (1991) de Mario Van Peebles
El género de gánsteres en su versión afroamericana, un film que recupera el espíritu del cine blaxploitation de los 70. Wesley Snipes y el rapero Ice-T enfrentados en esta historia sobre un ambicioso traficante de drogas y un policía que trata de acabar con su imperio. Ice-T, Keith Sweat, Color Me Badd y 2 Live Crew ponen la música.

THE SILENCE OF THE LAMBS (El silencio de los corderos, 1991) de Jonathan Demme
Jodie Foster y Anthony Hopkins ganaron sendos Oscar por sus magníficas interpretaciones en esta cinta donde el género policíaco se acerca al cine de terror. La agente del FBI Clarice Sterling intenta atrapar a un asesino en serie y para ello debe aliarse con un peligroso psicópata: Hanibal “el Caníbal” Lecter.

BASIC INSTINCT (Instinto básico, 1992) de Paul Verhoeven
La femme fatale del cine negro se encarnó en la década de los 90 en el erotismo de Sharon Stone y su cruce de piernas, el más famoso de la historia del cine. Michael Douglas es un policía al límite que cae en sus garras. El polémico Paul Verhoeven sazona este thriller con sus buenas dosis de sexo e ironía.

ONE FALSE MOVE (Un paso en falso, 1992) de Carl Franklin
El sheriff de la pequeña localidad de Star City, Arkansas, lleva una vida tranquila hasta que recibe un aviso de la policía de Los Ángeles: un peligroso trío de criminales va a llegar a la ciudad. Uno de los mejores film noir de la década de los 90, una olvidada joya que merece una reivindicación.

RESERVOIR DOGS (1992) de Quentin Tarantino
Quentin Tarantino deslumbró al mundo entero con su debut en el cine, un claustrofóbico relato en el que una banda de atracadores intenta descubrir cuál de ellos es un delator. Un reparto excepcional, encabezado por Harvey Keitel, saca lustre a unos diálogos que hicieron época.

MENACE II SOCIETY (1993) de Albert y Allen Hughes
Una de las más importantes ghetto movies de la década de los 90. Es la crónica realista y descarnada de varios días en la vida del joven afroamericano Caine Lawson, habitante de uno de los barrios más peligrosos de Los Ángeles.

RED ROCK WEST (1993) de John Dahl
Un maestro del cine negro, John Dahl, dirige esta espléndida muestra de country noir que demuestra que la vida en el pueblo no es mucho mejor que en la ciudad. Nicolas Cage es un pobre tipo envuelto en una rocambolesca trama cuando es confundido con un asesino a sueldo… y él no hace nada para evitar el equívoco.

SUTURE (1993) de Scott McGehee y David Siegel
Un título de culto del cine indie americano, extraña y original vuelta de tuerca a los thrillers psicológicos de los años 40. Narra la historia de un hombre envuelto en una conspiración urdida por su hermano para quedarse con la fortuna que han heredado. Una cinta fascinante e imprevisible.

LITTLE ODESSA (Cuestión de sangre, 1994) de James Gray
El hoy reputado director James Gray debutó en el cine con este relato sobre un asesino a sueldo que regresa a su barrio de la infancia, Brighton Beach, donde vive la comunidad rusa de Nueva York. Allí se reencuentra con un hermano que lo idolatra y un padre que lo desprecia. Tim Roth y Edward Furlong protagonizan el film.

HEAT (1995) de Michael Mann
Nadie sabe filmar Los Ángeles como Michael Mann, una ciudad que aquí es escenario del obsesivo enfrentamiento entre un atracador high tech y un duro policía que no para de perseguirlo. Duelo de personajes y también de actores: nada menos que Robert De Niro contra Al Pacino.

NEW JERSEY DRIVE (1995) de Nick Gomez
Spike Lee es el productor de esta notable ghetto movie acerca de un joven ladrón de coches afroamericano y sus constantes enfrentamientos con los agentes de policía (blancos) que controlan el barrio. Segunda película de Nick Gomez, más tarde director de episodios de series como House, The Shield, Dexter, True Blood o Rubicon.

SE7EN (Seven, 1995) de David Fincher
Pocas veces el cine americano ha retratado el Mal (con mayúscula) de manera tan contundente como en este asfixiante y negrísimo thriller de David Fincher. Brad Pitt y Morgan Freeman son dos policías a la caza de un serial killer convertido en ángel exterminador que castiga los pecados capitales. Impresionante e inolvidable.

STRANGE DAYS (Días extraños, 1995) de Kathryn Bigelow
El cine negro se fusiona con la ciencia-ficción en este sorprendente cyber-thriller de la directora más dura de Hollywood, Kathryn Bigelow. Ralph Fiennes da vida a un traficante que negocia con el bien más preciado en la sociedad de un futuro próximo: los recuerdos de otros.

UNDERNEATH (The underneath: bajos fondos, 1995) de Steven Soderbergh
En 1949 Burt Lancaster protagonizó el film de Robert Siodmak CrissCross (El abrazo de la muerte) y casi cincuenta años más tarde Steven Soderbergh rueda este elegante remake. Un relato empapado del más puro fatalismo noir que tiene como protagonista a un conductor de furgón blindado decidido a robar el dinero que transporta.

FARGO (1996) de Joel Coen
Uno de los títulos emblemáticos del moderno film noir americano es esta divertida, violenta y amarga película de los hermanos Coen, ácido retrato de una pequeña comunidad donde la ambición y la estupidez parecen ir de la mano. Frances McDormand da vida a la agente de policía más entrañable de la historia del género.

HARD EIGHT (Sidney, 1996) de Paul Thomas Anderson
El director de Magnolia (1999) y There Will Be Blood (Pozos de ambición, 2007), Paul Thomas Anderson, debutó con este brillante film noir que bebe del cine americano, pero también tiene un ojo puesto en los clásicos del policiaco francés. Un espléndido Philip Baker Hall encarna a un veterano jugador convertido en ángel de la guardia de una joven pareja.

LAST MAN STANDING (El último hombre, 1996) de Walter Hill
El maestro Walter Hill recluta a dos de los tipos más duros del moderno cine americano, Bruce Willis y Christopher Walken, para ponerlos frente a frente en este emocionante western-noir, un remake-homenaje al cine de Akira Kurosawa y Sergio Leone y a las clásicas películas de gánsteres.

L.A. CONFIDENTIAL (1997) de Curtis Hanson
No hay duda de que James Ellroy es el gran maestro de la novela negra actual y esta adaptación de una de sus más famosos libros le hace justicia. Russell Crowe es el policía duro y violento que no soporta que peguen a una mujer, Guy Pearce el policía íntegro que quiere llegar alto. Juntos se enfrentan a una red de corrupción en una magistral recreación de la América de los años 40.

GHOST DOG: THE WAY OF THE SAMURAI (Ghost Dog, el camino del samurai, 1999) de Jim Jarmusch
La clásica cinta de Jean-Pierre Melville Le samourai (El silencio de un hombre, 1967) es revisada de una manera muy personal por Jim Jarmusch. Forest Whitaker es un asesino a sueldo, perfeccionista y respetuoso con la ética guerrera de los samuráis. El problema es que el mundo en que se mueve sabe muy poco de ética…

SUMMER OF SAM (Nadie está a salvo de Sam, 1999) de Spike Lee
Durante el verano de 1977, la ciudad de Nueva York fue escenario de los crímenes cometidos por un misterioso asesino en serie conocido como el Hijo de Sam. Spike Lee recrea esa época a través del retrato de los vecinos del barrio del Bronx, atemorizados por el asesino. Una de las mejores y menos conocidas películas del director.

MEMENTO (2000) de Christopher Nolan
Un hombre sediento de venganza busca al asesino de su mujer, pero tiene un pequeño inconveniente para conseguir su objetivo: su amnesia le impide recordar todo lo que ha pasado minutos antes. Christopher Nolan conquistó Hollywood con esta película indie cuya endiablada estructura narrativa hace sufrir por igual a protagonista y espectador.

PANIC (2000) de Henry Bromell
William H. Macy da vida a un hombre que ha heredado el negocio familiar: una empresa de asesinatos por contrato. Como no está contento con su vida decide ir al psicoanalista, y en la sala de espera conoce a una atractiva joven que le hará replantearse su trabajo y enfrentarse a su familia. Una curiosa rareza que merece ser descubierta.

TRAINING DAY (Training Day: Día de entrenamiento, 2001) de Antoine Fuqua
Un policía novato e idealista empieza con ilusión su primer día de trabajo… hasta que conoce a su compañero de patrulla, un tipo arrogante, corrupto y violento. Denzel Washington ganó el Oscar por su interpretación en este enérgico thriller a cargo de uno de los más notables directores afroamericanos del cine actual, Antoine Fuqua.

MYSTIC RIVER (2003) de Clint Eastwood
Uno de los grandes iconos del cine de acción americano, Clint Eastwood, se queda en esta ocasión detrás de las cámaras para contar el estremecedor relato de un grupo de amigos que sufrieron una traumática experiencia en el pasado y cuyos caminos vuelven a cruzarse debido al asesinato de la hija de uno de ellos. Con Sean Penn y Tim Robbins.

COLLATERAL (2004) de Michael Mann
Un alucinante viaje nocturno por la ciudad de Los Ángeles que comienza cuando un taxista coge como cliente a un implacable y calculador asesino a sueldo. Tom Cruise deja de ser el eterno chico bueno del cine americano para mostrar su lado más oscuro; Jamie Foxx se convierte en su inocente víctima.

KISS KISS BANG BANG (2005) de Shane Black
Shane Black, guionista de la saga de Lethal Weapon (Arma letal) y clásicos como The Last Boy Scout (El último boy scout, 1991), debuta como director con esta ingeniosa comedia policiaca. Robert Downey Jr. interpreta a un ladrón de poca monta convertido en improvisado detective privado al verse envuelto en una investigación criminal.

SIN CITY (Frank Miller’s Sin City – Ciudad del pecado, 2005) de Frank Miller y Robert Rodriguez
El dibujante Frank Miller empezó a publicar su serie de cómics Sin City en 1991, tristes y duros relatos en deslumbrante blanco y negro que recogían la mejor tradición hard boiled. Su personal estética es trasladada al cine en estado puro en esta adaptación con irresistible reparto: Bruce Willis, Mickey Rourke, Jessica Alba, Clive Owen y Benicio del Toro.

BEFORE THE DEVIL KNOWS YOU’RE DEAD (Antes de que el diablo sepa que has muerto, 2007) de Sidney Lumet
Sidney Lumet ha dado piezas memorables al género negro como Serpico (1973), Dog Day Afternoon (Tarde de perros, 1975) o Prince of the City (El príncipe de la ciudad, 1981). A los 83 años de edad rodó este impecable y emocionante thriller que fue su última lección maestra. Con Ethan Hawke, Albert Finney, Philip Seymour Hoffman y Marisa Tomei.

ZODIAC (2007) de David Fincher
A finales de los años 60, la sociedad americana vivió conmocionada por los misteriosos e incomprensibles asesinatos cometidos por el engmático “Asesino del Zodíaco”. David Fincher recrea con toda minuciosidad la investigación llevada a cabo por un periodista y un policía para solucionar esa gran pregunta sin respuesta.

PRIDE AND GLORY (Cuestión de honor, 2008) de Gavin O’Connor
Un sólido drama familiar ambientado en el mundo de la Policía y centrado en el dilema que vive un agente cuando descubre una trama de corrupción dentro del Cuerpo en la que está implicado su propio cuñado. Edward Norton, Colin Farrell y Jon Voight interpretan los papeles principales.

THE AMERICAN (El americano, 2010) de Anton Corbijn
El prestigioso realizador de videoclips Anton Corbijn pone su refinada estética al servicio de George Clooney. La gran estrella de Hollywood interpreta a un frío y perfeccionista asesino a sueldo que se ve obligado a refugiarse en un pueblo italiano cuando se pone precio a su cabeza.

TEXAS KILLING FIELDS (2011) de Ami Canaan Mann
Ami Canaan Mann demuestra estar familiarizada con el thriller y tener una gran sensibilidad hacia las víctimas potenciales de esta historia ambientada en los espectaculares pantanos de Texas, un microcosmos angustioso. Sam Worthington (Avatar) y Chloe Grace Moretz (Kick-Ass) encabezan el reparto.

"VALOR DE LEY", LOS COEN MAS ACCESIBLES

2011-08-10T11:03:00.000+02:00

La Opinión de... LEOmuñoz.
Rescato esta reseña que en su día no completé y aprovecho, que recientemente el western de calidad de nuevo visitó nuestros cines con "Blackthorn", para recordar a los que no vieron "Valor de Ley" que se pongan frente a su televisor, pantalla de ordenador o proyector y disfruten de otro western de leyenda.

Es inevitable volver la vista atrás para comparar el western de Hathaway con el de los hermanos Coen, ese es el gran reto al que se enfrentaran siempre todos aquellos que se aventuran por la senda del remake. En mi caso al volver la vista no encuentro nada, principalmente porque no he visto el "Valor de Ley" original, aunque la veré por justicia cinematográfica.
Es evidente que en este film los Coen han hecho un alto en el camino dentro de su filmografía, recordemos que son los creadores de "Fargo" (1995), "El gran Lebowski" (1998), "O Brother" (2000), "No es País para Viejos" (2007), por citar algunos y que hasta ahora toda su filmografía se caracterizaba por retratar suspicaz e insidiosamente a la sociedad norteamericana, siempre desde el punto de vista de perdedores asentados en la aparentemente perfecta sociedad que les ha tocado vivir. Mas bien se han dedicado a socabar la puritana moral americana camuflandose bajo una fina capa de comedia socarrona que siempre ha escondido más de una profunda reflexión. Pero en el excepcional caso de "Valor de Ley" esta suspicacia y doble sentido del que abogaban todas sus películas desaparece como por arte de magia y se convierte en un retrato rudo y aspero del viejo oeste donde la mística del wester tradicional queda de lado. Una cruda vida de bandidos analfabetos, policias borrachos, rangers desmitificados y mujeres luchadoras que harían cualquier cosa por vengar la muerte de un padre. Y al frente del reparto un inmenso Jeff Bridge (Rooster Cogburn) acompañado por la pequeña Hailee Steinfeld (Mattie Ross), Matt Damon (LaBoeuf) y Josh Brolin (Tom Chaney) que convierten a este remake en una pieza única capaz de superar a su antecesora, aunque los eruditos del cine clásico me corten la cabeza. De todas formas es un film para que forme parte de cualquier filmoteca y lo tenga en cuenta en programaciones especiales de westerns de leyenda.

Película: Valor de ley (True grit). Título original: True grit. Dirección: Joel Coen y Ethan Coen. País: USA. Año: 2010. Duración: 108 min. Género: Drama, western. Interpretación: Jeff Bridges (Rooster Cogburn), Matt Damon (LaBoeuf), Josh Brolin (Tom Chaney), Barry Pepper (Lucky Ned), Hailee Steinfeld (Mattie Ross). Guion: Joel Coen y Ethan Coen; basado en la novela de Charles Portis. Producción: Scott Rudin, Ethan Coen y Joel Coen. Producción ejecutiva: Steven Spielberg, Robert Graf, David Ellison, Paul Schwake y Megan Ellison. Música: Carter Burwell. Fotografía: Roger Deakins. Montaje: Roderick Jaynes. Diseño de producción: Jess Gonchor. Vestuario: Mary Zophres. Distribuidora: Paramount Pictures Spain. Estreno en USA: 22 Diciembre 2010. Estreno en España: 11 Febrero 2011. No recomendada para menores de 7 años.

"BLACKTHORN", BUTCH CASSIDY CABALGA DE NUEVO

2011-08-09T18:34:00.001+02:00

La Opinión de... LEOmuñoz.
... 'y Mateo Gil se hizo hombre, y conquistó llanuras y valles, y cabalgó tierras inhóspitas forjando una leyenda que traspasó fronteras'.
Esta frase es lo que me ha inspirado "BlackThorn" de Mateo Gil, su segunda película como director después de "Nadie conoce a nadie" (1999) y después de haber escrito los guiones de "Agora" (2009), "El método" (2005) y "Mar Adentro" (2004). Gil a firmado un western de leyenda que pasará a los anales de la historia de este género y solo el paso del tiempo le hará justicia.
Todo en este film es un acierto, su ritmo pausado, acompañando a un anciano Butch Cassidy hacia sus orígenes e interpretado por un soberbio Sam Shepard. Sus localizaciones son impresionantes, destacando las escenas en el Salar de Uyuni de unos 12.000 km² de superficie. Su guión escrito por Miguel Barros hace un guiño a ese western mítico de 1969 titulado "Butch Cassidy and the Sundance Kid", en el que los dos protagonistas morían tiroteados por el ejército boliviano en el pueblecito de San Vicente. Esta muerte siempre ha estado rodeada de polémica al no identificarse oficialmente ninguno de los cuerpos. Este hecho es aprovechado por Barros para contar la posible vida de Cassidy después de aquel fatal acontecimiento del que huyó con su compañero malherido y al que tuvo que dejar tras morir en las montañas bolivianas. Este es el punto de partida de este western a caballo entre la antigua forma de vida del viejo oeste y el comienzo de la industrialización con la invasión del ferrocarril. Una vuelta a los orígenes de ese anciano forajido que rememora épocas pasadas al cruzarse en su camino con un joven ingeniero español interpretado por Eduardo Noriega (Eduardo). Completan el reparto Magali Soler ("La Teta Asustada", "Amador") y Stephen Rea interpretando al incansable inspector Mackinley.

Film indispensable para todos los amantes del western y sobre todo para aquellos que dudan del alto nivel cinematográfico que puede alcanzar el cine español, nos vemos en Los Goya.

Titulo: Blackthorn (Sin destino). Dirección: Mateo Gil. Países: España, Francia y Bolivia. Año: 2011. Duración: 98 min. Género: Western. Interpretación: Sam Shepard (James Blackthorn), Eduardo Noriega (Eduardo Apocada), Stephen Rea (Mackinley), Magaly Solier (Yana), Nikolaj Coster-Waldau (James de joven), Padraic Delaney (Sundance), Dominique McElligott (Etta). Guion: Miguel Barros. Producción: Andrés Santana, Ibon Cormenzana, Jerôme Vidal y Paolo Agazzi. Música: Lucio Godoy. Fotografía: J.A. Ruiz Anchía. Montaje: David Gallart. Dirección artística: Juan Pedro de Gaspar. Vestuario: Clara Bilbao. Distribuidora: Alta Classics. Estreno en España: 1 Julio 2011. No recomendada para menores de 12 años.

SECCION OFICIAL 59ª EDICION DONOSTIA ZINEMALDIA: 11 LARGOMETRAJES PARA ABRIR BOCA

2011-08-09T11:44:00.000+02:00

PorElEfectoKulechovPuntoCom vía www.sansebastianfestival.com

Acabamos de conocer los once primeros largometrajes que competirán en la Sección Oficial de la 59ª Edición del Festival de Cine de San Sebastián y de entre ellos descubrimos a directores tan dispares como Hirokazu Kore-Eda ("Air Doll", "Still Walking"), Arturo Ripstein ("Principio y fin", "La perdición de los hombres"), Sarah Polley ("Lejos de ella") y Julie Delpy ("2 días en París"). A continuación los títulos y sus directores con una pequeña sinopsis para ir abriendo boca.

La cinta china 11 FLOWERS es el nuevo trabajo del cineasta Wang Xiaoshuai, un film que describe la convulsa época previa a la muerte de Mao Zedong a través de la mirada de un niño. Wang Xiaoshuai (Shanghai, 1966) se consagró internacionalmente cuando su película Shiqi sui de dan che (La bicicleta de Pekín, 2001) obtuvo el Oso de Plata en el Festival de Cine de Berlín. Seis años más tarde volvió a ganar un Oso de Plata al Mejor Guión con su film Zuo You (In Love we Trust), mientras que con su siguiente trabajo, Rizao Chongqing (Chongqing Blues, 2010), compitió en el Festival de Cannes.

THE DEEP BLUE SEA es la nueva película del reputado director británico Terence Davies, a quien el Festival dedicó una retrospectiva en su 56 edición (2008). Protagonizada por Rachel Weisz, Tom Hiddleston y Simon Russell Beale, se trata de la adaptación de la obra teatral homónima de Terence Rattigan, una pieza de cámara centrada en el conflicto emocional que vive una mujer casada que se enamora de otro hombre. La filmografía de Terence Davies (Liverpool, 1945) incluye títulos tan relevantes como Distant Voices, Still Lives (Voces distantes, 1988), The Long Day Closes (El largo día acaba, 1992), House of Mirth (La casa de la alegría, 2000) y Of Time and the City (2008).

KISEKI (I Wish), la nueva película del cineasta japonés Hirokazu Kore-eda, narra la historia de un niño de doce años con una gran ilusión en la vida: reunirse con su hermano menor, que vive a kilómetros de distancia tras el divorcio de sus padres. Kore-eda (Tokio, 1962) está considerado como uno de los nombres más prestigiosos del actual cine nipón desde que su primera película, Maborosi no hikari (Maborosi, 1995) fuera galardonada en el Festival de Venecia. Otras cintas suyas como Distance (2001) o Dare mo shiranai (Nadie sabe, 2004) fueron presentadas en el Festival de Cannes. Esta es la cuarta vez que Kore-eda ha sido seleccionado para competir en el Festival de San Sebastián, ya que el cineasta ha presentado en el certamen sus anteriores películas Wandâfuru raifu (After Life, 1998), Hana yori mo naho (Hana, 2006) y Aruitemo, aruitemo (Still Walking, 2008).

LAS RAZONES DEL CORAZÓN es el último trabajo del mexicano Arturo Ripstein, quien en esta ocasión plantea una libre y personal adaptación de los últimos capítulos de la novela de Gustave Flaubert Madame Bovary. Arturo Ripstein (México D.F., 1943) ha ganado la Concha de Oro del Festival de San Sebastián en dos ocasiones, por Principio y fin (1993) y por La perdición de los hombres (2000), así como el Premio Especial del Jurado por El lugar sin límites (1978). Su larga filmografía incluye otros títulos de importancia como La mujer del puerto (1991), La reina de la noche (1994), Profundo carmesí (1996) o Así es la vida (2000).

La actriz, directora y productora Sarah Polley compite también en la Sección Oficial con su segundo largometraje, la producción canadiense TAKE THIS WALTZ. Con un reparto encabezado por Michelle Williams y Seth Rogen, la cinta es un drama romántico protagonizado por una joven en plena confusión sentimental. Sarah Polley (Toronto, 1979) debutó como actriz a los seis años de edad y ha colaborado con Terry Gilliam en The Adventures of Baron Munchausen (Las aventuras del Barón Munchausen, 1988), Atom Egoyan en Exotica (Exótica, 1994) y The Sweet Hereafter (El dulce porvenir, 1997), Isabel Coixet en My Life Without Me (Mi vida sin mí, 2003) y The Secret Life of Words (La vida secreta de las palabras, 2005) o David Cronenberg en ExistenZ (1999), además de participar en films como The Weight of Water (El peso del agua, 2000), The Claim (El perdón, 2000) o Dawn of the Dead (El amanecer de los muertos, 2004), entre muchos otros. También ha dirigido varios cortometrajes y un largometraje, Away from Her (Lejos de ella, 2006), por el que obtuvo numerosos premios y dos nominaciones al Oscar (Mejor Guión Adaptado y Mejor Actriz para Julie Christie). Esta película opta también al Premio Kutxa-Nuevos Directores.

Otra popular y reputada actriz y directora, la francesa Julie Delpy estará presente en la Sección Oficial con su cuarta película, LE SKYLAB, una nostálgica comedia sobre una reunión familiar ambientada en los años 70 que ella misma dirige y protagoniza. Julie Delpy (París, 1969), una de las más importantes actrices del actual cine francés, debutó a los 14 años en el film de Jean-Luc Godard Détective (1985) y desde entonces ha trabajado con directores como Léos Carax (Mauvais sang / Mala sangre, 1986), Bertrand Tavernier (La passion Béatrice / La pasión de Beatrice, 1987), Agnieszka Holland (Europa, Europa, 1990), Krzystof Kieslowski (Trzy kolory: Bialy / Tres colores: Blanco, 1994), Richard Linklater (Before Sunrise / Antes de amanecer, 1995, y Before Sunset / Antes del atardecer, 2004) o Jim Jarmusch (Broken Flowers / Flores rotas, 2005). Como directora su filmografía incluye también Looking for Jimmy (2002) y dos cintas que participaron en la sección “Panorama” del Festival de Berlín: Two Days in Paris (2007) y The Countess (2009).

AMERICANO es una producción francesa dirigida y protagonizada por Mathieu Demy. El reparto incluye también a Salma Hayek, Géraldine Chaplin y Chiara Mastroianni. La cinta cuenta el periplo mexicano de un joven francés en busca de una misteriosa mujer que fue amiga de su madre fallecida. Mathieu Demy (París, 1972) es bien conocido como actor en su país natal gracias a una filmografía de más de treinta títulos que incluye trabajos para directores como Agnès Varda, Michel Hazanavicius, Pascal Bonitzer, Benoît Cohen, Michel Deville, André Téchiné o Jean-Pierre Mocky. Americano supone su debut como director en el largometraje. Mathieu Demy es hijo de Agnès Varda y Jacques Demy, cineasta este último a quien el Festival de San Sebastián dedica este año una retrospectiva. Esta película opta también al Premio Kutxa-Nuevos Directores.

LOS MARZIANO, producción argentina dirigida por Ana Katz y protagonizada por Guillermo Francella y Arturo Puig, es una agridulce comedia familiar sobre dos hermanos peleados desde hace años y las tensas relaciones que se establecen entre ellos cuando deben reunirse para una celebración familiar. La guionista, actriz y directora Ana Katz (Buenos Aires, 1975) debutó en el largometraje con El juego de la silla (2002), que participó en el programa Cine en Construcción del Festival de San Sebastián y compitió más tarde en la sección Zabaltegi-Nuevos Directores. Su segunda película, Una novia errante (2007), también fue incluida en Cine en Construcción, para después competir en los certámenes de Cannes, Toronto y La Habana y en la sección Horizontes Latinos de San Sebastián. Los Marziano, producida por Kramer&Sigman, es su tercera película.

SANGUE DO MEU SANGUE (Sangre de mi sangre) es una producción portuguesa dirigida por João Canijo, un intenso melodrama familiar ambientado en un barrio periférico de Lisboa. João Canijo (Lisboa, 1958) ha sido ayudante de dirección de Manoel de Oliveira, Alain Tanner y Wim Wenders y ha participado en la sección “Un certain regard” del Festival de Cannes con sus películas Ganhar a vida (2000) y Noite Escura (2003); también ha competido en la sección "Orizzonti" del Festival de Venecia con Mal nascida (2007) y en el Festival de Rotterdam con su primera película, Tres menos eu (1985).

La cinta griega ADIKOS KOSMOS (Unfair World), dirigida por Filippos Tsitos, es una sorprendente comedia dramática que narra las extrañas peripecias de un funcionario de policía obsesionado por que el mundo sea más justo. Filippos Tsitos (Atenas, 1966) compitió con su primera película, My Sweet Home (2001), en el Festival de Berlín, mientras que su segundo trabajo Akadimia Platonos (2009), obtuvo el premio al Mejor Actor en el Festival de Locarno para Antonis Kafetzopoulos, también protagonista de Adikos Kosmos.

HAPPY END es una producción sueca dirigida por Björn Runge que tiene como tema el maltrato psicológico y físico de la mujer en la sociedad actual. Björn Runge (Lysekil, 1961) se inició en el cine como ayudante de dirección de Roy Andersson y ha trabajado con asiduidad en la televisión y en el campo del documental. Tras dirigir los largometrajes Harry och Sonja (1996) y Raymond-sju resor värre (1999), obtuvo el premio "Ángel Azul" en el Festival de Berlín por su tercera película, Om jag vänder mig om (Daybreak, 2003), y compitió en el Festival de Karlovy Vary con su siguiente trabajo, Mun mot mun (Mouth to Mouth, 2006).

¡CORT...EN! 2011: COMO SOBREVIVIR AL VISIONADO DE 224 CORTOMETRAJES

2011-07-27T10:29:00.002+02:00

Por ElEfectoKulechovPuntoCom.
Este ya es el cuarto año consecutivo que la asociación cinematográfica El Efecto Kulechov colabora con el Ayuntamiento de Calahorra en la selección de la programación de los 24 cortometrajes que se exhiben en La Terraza del Cafetín de nuestra ciudad. En esta XII edición de ¡CORT...EN! han sido 224 cortos los que han entrado dentro del plazo de presentación, unos 80 más que el año pasado.
Desde este blog queremos hacerles conscientes de la tarea que esto supone, teniendo en cuenta que la media de duración de este año por cortometraje ha sido de 14 minutos. Para empezar, y para ponerles en situación, haremos un rápido y sencillo cálculo que supone que los 224 cortos se conviertan en 2616 minutos, es decir unas 43 horas y media de visionado. Para que lo entiendan mejor, es como si se viesen unos 22 largometrajes de 2 horas de duración cada uno. Esto podría parecer pecata minuta si tenemos en cuenta que nos dan 40 días para el visionado de los cortometrajes, pero señores no se equivoquen, cada uno de nosotros tenemos nuestros trabajos y nuestras familias, por lo que el tiempo de visionado se reduce a unas dos o tres horas diarias, eso si todo transcurre con normalidad y ese día a eso de las nueve y media o diez de la noche, cuando todo debe estar ya en calma, no le de a tu criatura por despertarse y cantar el aria de "Fígaro" durante hora y media, o que por otro lado tengamos suerte y esa noche Iberdrola se porte bien en nuestra ciudad (los calagurritanos sabrán de que hablo), o que al vecino de al lado no le dé por pasar a tu casa a contarte la película de lo que ha pasado en tu comunidad, por no contar que ese día en el trabajo has tenido uno de los peores y tu cuerpo esta molido por lo que en el primer minuto de visionado Morfeo se pasa por tu casa y no tienes más remedio que dejarlo para mañana. ¿Y que ocurre si lo dejamos para mañana? Nada, simplemente que en lugar de tener que ver cinco cortos por día la media va aumentando, así que cuidadito con desperdiciar otro día,... se hacen una idea verdad?
Los días van transcurriendo y cada uno de nosotros se las apaña para arañarle minutos al día e invertirlos en visionar cortos. Y llega el día de la decisión final, y alguno de nosotros le ha dado dos y tres vueltas a las puntuaciones que otorgó en su día, e intentando ser justos nos hemos confeccionado una lista de los mejor clasificados. Hay quién afina al dedillo y ya tiene sus 24 seleccionados, pero para otros la lista es un poco mayor, incapaces de dejar fuera a ciertas joyas que también merecen aparecer en programación. Habrá que luchar mucho y defender cada uno sus opciones, aunque finalmente por consenso todo llega a buen puerto, eso sí después de tres o cuatro agotadoras horas de debate y discusión.

Gracias a Micaela, Eugenia, Marta, Tomás, Dani y Leo y por extensión a todos aquellos que han estado alguna vez en tales menesteres, vuestra tarea es impagable.

Programación CORT...EN 2011 en www.festivalcorten.wordpress.com

"INTRUDERS" DE JUAN CARLOS FRESNADILLO INAUGURARÁ LA 59ª EDICION DEL FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN

2011-07-22T13:12:00.001+02:00

Por ElEfectoKulechovPuntoCom.
"Intruders" se presentará en la gala de inauguración del Donostia Zinelmadía el próximo 16 de septiembre de la mano de su director Juan Carlos Fresnadillo ("Intacto", "28 Semanas Después"), uno de los alumnos aventajados del cine español que ha hecho las américas con muy buen pie. Recordemos que fue el encargado de dirigir la secuela de la magnífica "28 Días Después" de Danny Boyle y que lo hizo con muy buena nota. En esta ocasión de nuevo se rodea de un reparto internacional de empaque como Clive Owen, Carice van Houten, y Kerry Fox, pero también tira de cantera española con las incorporaciones de Daniel Brühl y Pilar López de Ayala.

Sinopsis

Intruders narra la historia paralela de dos familias cuyas vidas se ven alteradas por presencias amenazadoras: en España, una madre de familia debe proteger a su hijo del ataque de un desconocido sin rostro; mientras tanto, en Inglaterra, una niña tiene pesadillas con un fantasma llamado Carahueca, un ser que acabará por convertirse en un peligro real para ella y su familia. En palabras del propio Fresnadillo, esta película “reivindica mi amor por el universo visual que nace de lo más oculto, de los fantasmas que están enterrados en nuestro inconsciente”. Pero, más allá de un simple relato de terror sobrenatural, Intruders es también un intenso drama psicológico con la familia como tema principal.

Fresnadillo en pleno rodaje

"EL HOMBRE DE AL LADO" DE MARIANO COHN Y GASTON DUPRAT

2011-07-20T16:46:00.000+02:00

Por ElEfectoKulechovPuntoCom.
"El hombre de al lado" es el film argentino que más premios acumuló durante 2010. La cinta ha sido multipremiada por la Academia Argentina de Cine y los festivales de Sundance (Mejor Fotografía), Mar del Plata (Mejor Película), Toulouse (Premio del Público) y Lleida (Mejor Actor y Director), y los Premios Cóndor. Además, fue nominada a los Premios Goya 2011 como Mejor Película Hispanoamericana.. Está basada en una experiencia real vivida por su guionista Andrés Duprat en la que cuenta las relaciones tragi-comicas entre dos vecinos. La película se rodó en La Plata, en la única casa que el famoso arquitecto Le Corbusier construyó en toda América, considerada una obra maestra de la arquitectura moderna. "Escribí la película en lugar de matar al tipo, un vecino real que se fue transformando en una pesadilla. Este trabajo me sirvió para exorcizar, pero no sé si él ha visto la película", ha reconocido Duprat con cierta sorna.

Sinopsis:
“El hombre de al lado” narra un conflicto entre vecinos que parece no tener fin. Una simple pared medianera puede dividir dos mundos, dos maneras de vestir, de comer, de vivir. De un lado, Leonardo (Rafael Spregelburd), fino y prestigioso diseñador que vive en una casa realizada por Le Corbusier. Del otro lado Víctor (Daniel Aráoz), vendedor de coches usados, vulgar, rústico y avasallador. Víctor decide hacer una ventana para tener más luz, y ahí empieza el problema: cada uno toma conciencia de la existencia del otro. La mirada del extraño corroe y pone en entredicho una vida aparentemente normal, y abre la puerta a los miedos, a las miserias y a las actitudes más viles.

Ficha Técnica.
Película: El hombre de al lado. Dirección: Mariano Cohn y Gastón Duprat. País: Argentina. Año: 2009. Duración: 103 min. Género: Drama. Interpretación: Daniel Aráoz y Rafael Spregelburd. Guion: Andrés Duprat. Producción: Fernando Sokolowicz. Música: Sergio Pángaro. Fotografía: Mariano Cohn y Gastón Duprat. Montaje: Jerónimo Carranza. Dirección artística y vestuario: Lola Llaneza. Distribuidora: A Contracorriente Films. Estreno en Argentina: 2 Septiembre 2010. Estreno en España: 22 Julio 2011.

trailer en LaButaca.net /

"CIRKUS COLUMBIA" DE DANIS TANOVIC

2011-07-18T13:00:00.000+02:00

Por ElEfectoKulechovPuntoCom.
El director de "Cirkus Columbia" durante la Guerra de Bosnia pasó dos años filmando para el Ejército en el frente. En 1994, emigró a Bélgica para continuar sus estudios en el INSAS. En 2001, dirige "No Man’s Land", galardonado con el Oscar y el Globo de Oro a la Mejor Película en Lengua Extranjera, y el Premio al Mejor Guión en Cannes y en los Premios de Cine Europeos. Después dirigió "L’Enfer" (2005, presentada en Zabaltegi-Perlas de San Sebastián) y "Triage" (2009). "Cirkus Columbia" inauguró el Festival de Sarajevo y ha sido seleccionada en Venecia y Toronto. Tanovic preside este año el Jurado del Encuentro Internacional de Estudiantes de Cine en San Sebastián.

Ficha Técnica

Película: Cirkus Columbia. Dirección: Danis Tanovic. Países: Bosnia-Herzegovina, Francia, Reino Unido, Alemania, Eslovenia, Bélgica y Serbia. Año: 2010. Duración: 113 min. Género: Drama. Interpretación: Miki Manojlovic (Divko), Mira Furlan (Lucija), Boris Ler (Martin), Jelena Stupljanin (Azra), Milan Strljic (alcalde). Guion: Danis Tanovic; basado en la novela de Ivica Djikic. Producción: Amra Baksic Camo, Marc Baschet, Cédomir Kolar y Mirsad Purivatra. Fotografía: Walther Van Den Ende. Montaje: Petar Markovic. Diseño de producción: Dusan Milavec y Sanda Popovac. Vestuario: Jasna Hadzimehmedovic-Bekric. Distribuidora: Wanda Visión. Estreno en Francia: 23 Marzo 2011. Estreno en España: 15 Julio 2011.

Sinopsis

Bosnia y Herzegovina, 1991. Los comunistas han caído y Divko Buntic regresa a la pequeña ciudad donde creció para reclamar la casa familiar. Después de vivir exiliado 20 años en Alemania, Divko aparece con su llamativo Mercedes rojo, su novia Azra, joven y sexy, su gato negro de la suerte y los bolsillos llenos de marcos alemanes. Los billetes y su primo Ivanda, recién proclamado alcalde “democrático” ayudan a Divko a desalojar a la fuerza a Lucija y a Martin, su hijo de 20 años. Martin y Lucija, que han tenido suerte de no ser encarcelados después de su violento enfrentamiento con la policía durante el desalojo, son realojados en un pequeño y destartalado apartamento municipal. Una vez bien instalado en su antigua casa, Divko intenta llegar hasta Martin, el hijo que nunca conoció. Cuando Bonny, el gato de Divko desaparece, toda la ciudad se pone a buscarlo frenéticamente para cobrar la recompensa. La búsqueda diaria del gato perdido pone en peligro la frágil relación entre Divko y Azra. Pero al mismo tiempo da lugar a una fuerte atracción entre Azra y Martin. La mayoría de los habitantes de la ciudad, inmersos en sus problemas cotidianos, ignora los graves disturbios políticos que se están produciendo. La amenaza de la guerra está cada vez más cerca y pondrá a prueba los sentimientos profundos y la lealtad. Habrá que tomar la decisión más difícil: quedarse o marcharse…
trailer en LaButaca.net /

"RESTLESS" DE GUS VAN SANT

2011-06-27T19:04:00.000+02:00

Por ElEfectoKulechovPuntoCom.
Leyendo la edición española de la revista de cine Cahiers du Cinéma en su nº 46, correspondiente al mes de Junio de 2011, me encuentro una reseña sobre el último film rodado por GusVan Sant y estrenado fuera de concurso en el pasado Festival de Cannes. Su título, "Restless", sus productores, Bryce Dallas Howard y su padre Ron Howard, sus actores, desconocidos como de costumbre, salvo el prota masculino que es el hijo de Dennis Hopper, Henry Hopper. Al parecer la senda que ha tomado Van Sant en este film no sigue el camino íntimo y personal que en ocasiones retoma ("Paranoid Park", "Last Days"), sino que más bien se acerca al acaramelado drama romántico juvenil, pero claro siempre rodado desde la prespectiva de Gus Van Sant. Es evidente que habrá que seguir la pista a este film, ¿cuando se estrenará en España?, bueno esa respuesta seguro que puede propiciar un buen guión cinematográfico de suspense. / LEOmuñoz

Ficha Técnica:
Película: Restless. Dirección: Gus Van Sant. País: USA. Año: 2011. Duración: 91 min. Género: Drama. Interpretación: Mia Wasikowska, Lusia Strus, Jane Adams, Schuyler Fisk, Henry Hopper. Guion: Jason Lew. Producción: Brian Grazer, Ron Howard y Bryce Dallas Howard. Música: Danny Elfman. Fotografía: Harris Savides. Montaje: Elliot Graham. Diseño de producción: Anne Ross. Vestuario: Danny Glicker.

Sinopsis:

“Restless” nos relatará la compleja historia de un par de adolescentes que comparten sus preocupaciones sobre la mortalidad. Bryce Dallas Howard, Ron Howard y Brian Grazer producirán esta propuesta cinematográfica que ha escrito Jason Lew.

ZHANG YIMOU SE MARCA UN REMAKE DE 'SANGRE FACIL'

2011-05-20T12:53:00.000+02:00

Por ElEfectoKulechovPuntoCom.
El creador de "La Linterna Roja", "Vivir", "Hero" o "La Casa de las Dagas Voladoras" se pasa al temible mundo de los remakes con "Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos". Basada en el film que lanzó a la fama a los hermanos Coen ("Sangre Fácil" - 1984) y transportada a la época de la China feudal puede sorprender a más de uno por su tono cómico y exajerado, rozando el estilo de "Kung Fu Sion" de Stephen Chow (2004), pero sin renunciar a su maestria y delicadeza visual y sobre todo a esa utilización de los sonidos como principales protagonistas de la acción.

Sinopsis: Wang es un hombre pesimista, astuto y avaricioso, dueño de un bar de tallarines en una ciudad situada en un paraje desértico de China. No hace caso de su esposa, una mujer de lengua viperina que tiene una aventura amorosa con Li, uno de los empleados de Wang. Li es un hombre tímido que, muy a pesar suyo, acaba guardando la pistola que su amante ha comprado para matar a su marido. Pero Wang está al tanto de todo lo que hacen. Soborna al agente de policía Zhang para matar a la pareja. Visto así, el plan es perfecto: todo se solucionará gracias a un final sangriento y cruel perfectamente satisfactorio para él. O al menos, eso piensa. Pero el malévolo Zhang tiene otra idea en la cabeza. Y según se complica la trama, correrá más sangre y la violencia será cada vez mayor.

Ficha Técnica:
Película: Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos. Título original: San qiang pai an jing qi. Dirección: Zhang Yimou. País: China. Año: 2009. Duración: 90 min. Género: Drama. Interpretación: Sun Honglei (Zhang), Xiao Shenyang (Li), Yan Ni (esposa de Wang), Ni Dahong (Wang), Cheng Ye (Zhao), Mao Mao (Chen). Guión: Xu Zhengchao y Shi Jianquan; basado en la película “Sangre fácil”, de Joel y Ethan Coen. Producción: Zhan Weiping, Bill Kong, Zhang Zhenyan y Gu Hao. Música: Zhao Lin. Fotografía: Zhao Xiaoding. Montaje: Meng Peicong. Dirección artística: Xie Ze. Distribuidora: Golem. Estreno en China: 11 Diciembre 2009. Estreno en España: 20 Mayo 2011. No recomendada para menores de 12 años.

CARTELERIA OFICIAL DEL 59 FESTIVAL INTERNACIONAL DE SAN SEBASTIAN

2011-05-11T18:09:00.000+02:00

Por ElEfectoKulechovPuntoCom.

La 59ª Edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián ya está en marcha, sobre todo cuando sale a la luz el cartel de la Sección Oficial y sus hermanos pequeños de las secciones de Zabaltegi, Horizontes Latinos y, este año, Sombras Digitales dedicado al cine chino de las nuevas generaciones. Ya podemos ponerle cara al Zinemaldía de 2011 y sobre todo ya podemos cuadrar nuestras agendas para estar presentes en el Kursaal del 16 al 24 de Septiembre. ¡Nos vemos allí!

EL EFECTO KULECHOV CUMPLE TRES AÑOS

2011-05-06T02:37:00.000+02:00

Por ElEfectoKulechovPuntoCom.
La Asociación Cinematográfica de Calahorra "El Efecto Kulechov" cumple, hoy 6 de Mayo de 2011, tres años de existencia. Desde este blog queremos agradecer a nuestros fieles socios, a los espectadores que se han acercado a las proyecciones, a la Escuela Oficial de Idiomas de Calahorra, a Cines Arcca y al Ayuntamiento de Calahorra el entusiasmo con el que han acometido el proyecto de cine club.
Desde nuestros comienzos hemos podido visionar, en Cines Arcca y en versión original con subtitulos en castellano, titulos como "Cuatro Minutos" de Chris Kraus, "Eternal Sunshine of the spotless mind" (Olvidate de mi) de Michel Gondry, "The Fall" de Tarsem Sing, "Vals con Bashir" de Ari Folman, "Entre les Murs" (La Clase) de Laurent Cantet , "I'm a Cyborg, but that's ok" (Soy un Cyborg) de Park Chan-wook, "Paranoid Park" de Gus Van Sant, "Air Doll" de Kore-Eda, "Canino" de Yorgos Lanthimos, "Dogville" de Lars Von Trier y "Exit Through the Gift Shop" de Banksy. Esperamos haber cubierto satisfactoriamente la demanda de cine de autor e independiente en versión original que nuestra ciudad solicitaba. La próxima meta a alcanzar será la de conseguir una progamación continuada durante al menos ocho o nueve meses del año, con un comienzo por el mes de Octubre y un final allá por el mes de Mayo.

Os prometemos seguir en la brecha tratando de haceros llegar ese cine de calidad que todos demandamos en nuestros cines. Un saludo a todos.

"TOKIO BLUES" DE TRAN AHN HUNG

2011-04-29T13:14:00.000+02:00

Por ElEfectoKulechovPuntoCom.
Basada en la novela del escritor japonés Haruki Murakami, de titulo original "Norwegian wood" (1987), "Tokio Blues" y su director Tran Ahn Hung se enfrentarán inevitablemente a los fervientes amantes de este best seller contemporáneo que llegó a vender 10 millones de ejemplares. El film aúna lirismo, sensualidad, poesía y marcado lenguaje fotográfico que en ocasiones transmite mucho más que los propios diálogos.

Tran Anh Hung nació en Seno, ex Reino de Laos, el 23 de diciembre de 1962. En 1975 se exilió a Francia con su familia donde estudió en una escuela de cine. Su debut como director, El olor de la papaya verde en 1992 ganó el premio Camera D’Or en el Festival de Cannes y el Cesar a Mejor Director Novel, lo que valió reputación a nivel internacional. También fue nominada al Oscar a la Mejor Película en habla no inglesa. Su segunda película, Cyclo de 1995 ganó el León De Oro en Venecia. Sus otros créditos incluyen The vertical ray of the sun, I come with the rain y Tokio Blues (Norwegian Wood).
Filmigrafía:
2010 "TOKIO BLUES" (NORWEGIAN WOOD) Festival Internacional de Venecia Festival Internacional de Toronto
2009 "I COME WITH THE RAIN"
2000 "THE VERTICAL RAY OF THE SUN" Festival de Cannes (Un Certain Regard)
1995 "CYCLO" León de Oro en el Festival de Venecia
1993 "EL OLOR DE LA PAPAYA VERDE" Nominada al Oscar a Mejor Película en habla no inglesa. Cesar al Mejor Director Novel Ganadora Camera d’Or en el Festival de Cannes
información vía filmin.com

Ficha Técnica:
Película: Tokio blues (Norwegian wood). Título original: Noruwei no mori. Dirección: Tran Ahn Hung. País: Japón. Año: 2010. Duración: 133 min. Género: Drama, romance. Interpretación: Kenichi Matsuyama (Toru Watanabe), Rinko Kikuchi (Naoko), Kiko Mizuhara (Midori), Reika Kirishima (Reiko Ishida), Kengo Kôra (Kizuki), Eriko Hatsune (Hatsumi), Tetsuji Tamayama (Nagasawa). Guion: Tran Ahn Hung; basado en la novela de Haruki Murakami. Producción: Shinji Ogawa. Música: Jonny Greenwood. Fotografía: Mark Lee Ping Bin. Montaje: Mario Battistel. Diseño de producción: Yen Khe Luguern y Norifumi Ataka. Vestuario: Yen Khe Luguern. Distribuidora: Vertigo Films. Estreno en Japón: 11 Diciembre 2010. Estreno en España: 29 Abril 2011. No recomendada para menores de 16 años.

Sinopsis:
En “Tokio blues (Norwegian wood)”, cuando Toru Watanabe escucha casualmente el Norwegian Wood de Los Beatles, la melancolía y la nostalgia le hacen retroceder a su pasado como estudiante en el Tokio de finales de los 60. Toru recuerda a la inestable y misteriosa Naoko, la novia de su mejor amigo de la adolescencia, y el suicidio de éste, suceso que le distanció de Naoko durante un año hasta que se reencuentran en la universidad. Allí inician entonces una relación íntima que, sin embargo, se resiente por la frágil salud mental de Naoko, a la que internan en un centro. Al poco tiempo, Toru se enamora de Midori, una joven activa y resuelta. Indeciso, sumido en dudas y temores, experimenta entonces el deslumbramiento y el desengaño allá donde todo parece cobrar sentido: el sexo, el amor y la muerte.

trailer en YouTube

"AÑO BISIESTO" DE MICHAEL ROWE

2011-04-27T17:35:00.000+02:00

Por ElEfectoKulechovPuntoCom.
Debut en la dirección de Michael Rowe con un sorprendente y durísimo drama marcado por las soberbias interpretaciones de sus protagonistas, sobre todo de Mónica del Camen interpretando a 'Laura'.

Ficha Técnica:
Película: Año bisiesto. Dirección: Michael Rowe. País: México. Año: 2010. Duración: 88 min. Género: Drama. Interpretación: Mónica del Carmen (Laura), Gustavo Sánchez Parra (Arturo), Marco Zapata (Raúl). Guión: Michael Rowe y Lucía Carreras. Producción: Edher Campos y Luis Salinas. Fotografía: Juan Manuel Sepúlveda. Montaje: Óscar Figueroa Jara. Dirección atística: Alisarine Ducolomb. Vestuario: Adolfo Cruz Mateo. Distribuidora: Golem. Estreno en México: 8 Octubre 2010. Estreno en España: 29 Abril 2011. No recomendada para menores de 16 años.

Sinopsis:
En “Año bisiesto”, Laura tiene 25 años, es periodista, está soltera y vive en un apartamento en México D.F. Después de una larga serie de aventuras amorosas sin futuro, conoce a Arturo. La primera vez que hacen el amor, los gestos de Arturo la conmueven profundamente. Entonces comienza una relación intensa, apasionada y sexual en la que se mezclan el placer, el dolor y el amor. Pasan los días, que Laura tacha uno a uno en un calendario, y el pasado de la mujer vuelve a surgir, acosando a Arturo.

TRAILER DE "MELANCHOLIA", LA CINTA DE CIENCIA FICCION DE LARS VON TRIER

2011-04-08T19:13:00.000+02:00

Por ElEfectoKulechovPuntoCom.

Kirsten Dunst, Charlotte Gainsbourg, Kiefer Sutherland, Stellan Skarsgaard, John Hurt, Udo Kier y Charlotte Rampling conforman el espectacular elenco de actores que Lars Von Trier a reunido para el próximo estreno de su magnífica filmografía. Tendremos que esperar al próximo festival de Cannes para juzgar la que será la próxima película que estará en boca de todos, para bien o para mal del director. Lo que si está claro es que Lars Von Trier es el cineasta mas prolífico que conozco y el que más metas alcanza, porque ¿quién me nombra a otro director capaz de acometer un género distinto en cada proyecto que aborda? Con "MELANCHOLIA" se atreve con la ciencia-ficción, hay no es nada,

Te esperamos Lars...

Melancholia from Zentropa on Vimeo.

"HAPPY THANK YOU MORE PLEASE" DE JOSH RADNOR

2011-04-08T18:28:00.000+02:00

Por ElEfectoKulechovPuntoCom.
El director y actor protagonista, Josh Radnor firma esta comedia indi, amarga y romántica repleta de buenas intenciones y de cierto idealismo que puede que le reste eficacia.

Sinopsis:
Sam Wexler es un joven escritor que no está teniendo uno de los mejores días de su vida. Se despierta tarde, y con resaca, para asistir a una importante reunión con el director de una de las editoriales más prestigiosas de Nueva York. De camino a su cita se encuentra con un niño que ha perdido a su madre en el metro, y Sam se debate entre continuar su camino, como si nunca hubiera visto al niño o hacerse cargo de él mientras encuentra a su familia. Tras intentar sin éxito localizar a la familia del pequeño Rasheen, Sam decide llevarlo a su cita en la editorial, que es un estrepitoso fracaso. La vida de Sam gira en torno a la de sus amigos, un grupo de neoyorquinos que, a punto de entrar en la edad adulta, tratan de resolver sus dudas sobre el amor y la amistad. La vida sentimental de Sam no va mucho mejor que su carrera, pasa de una relación a otra, evitando cualquier tipo de compromiso, hasta que encuentra a Mississippi, una hermosa camarera y cantante. Queda tan impactado con ella que le propone un curioso trato que hará tambalearse su vida y la de sus amigos.

Ficha Técnica:
Película: Happy thank you more please. Título original: Happythankyoumoreplease. Dirección y guion: Josh Radnor. País: USA. Año: 2010. Duración: 94 min. Género: Comedia dramática. Interpretación: Josh Radnor (Sam Wexler), Malin Akerman (Annie), Kate Mara (Mississippi), Zoe Kazan (Mary), Pablo Schreiber (Charlie), Tony Hale (Sam), Michael Algieri (Rasheen), Richard Jenkins (Paul). Producción: Jesse Hara, Austin Stark, Chris Papavasiliou y Benji Kohn. Música: Jaymay. Fotografía: Seamus Tierney. Montaje: Michael R. Miller. Diseño de producción: Jade Healy. Vestuario: Sarah BeerS. Distribuidora: Avalon. Estreno en USA: 4 Marzo 2011. Estreno en España: 8 Abril 2011. Apta para todos los públicos.

"MISTERIOS DE LISBOA" DE RAÚL RUIZ

2011-04-08T17:00:00.000+02:00

Por ElEfectoKulechovPuntoCom.
Aunque casi ha pasado un mes del estreno en España de "Misterios de Lisboa" queríamos dejar constancia en este blog de lo que para muchos consideran la última obra maestra de Raúl Ruiz, el más importante y prolífico director de cine chileno de todos los tiempos.
Si verdaderamente amáis el cine no deberíais encontrar impedimento para sentaros a disfrutar de esta obra maestra del cine, aunque su duración sea de cuatro horas cuarenta y cinco minutos. Sabemos de la dificultad que van a encontrar la mayoría de cinéfilos que no viven en las grandes capitales para encontrar "Misterios de Lisboa" en la cartelera de su cine, aunque hoy en día siempre podemos recurrir al 'lado oscuro de la fuerza' y cuadrar nuestras agendas para encontrar un hueco de casi cinco horas y sentarnos en nuestro salón para disfrutar de esta cinta dramática del gran director chileno Raúl Ruiz.

Sinopsis:
En esta Lisboa de intrigas e identidades ocultas, nos cruzamos con una galería de personajes que están vinculados en cierta manera al destino de Pedro da Silva, un huérfano interno en un colegio: el padre Dinis, un descendiente de aristócrata libertinos convertido en justiciero; una condesa corroída por los celos y con sed de venganza; un pirata sanguinario convertido en un próspero hombre de negocios. Todos estos y muchos más personajes se pasean por la historia del siglo XIX y acompañan a nuestro protagonista en la búsqueda de su verdadera identidad.

Ficha Técnica:
Película: Misterios de Lisboa. Título original: Mistérios de Lisboa. Dirección: Raoul Ruiz. País: Portugal. Año: 2010. Duración: 266 min. Género: Drama. Interpretación: Adriano Luz (padre Dinis), Maria João Bastos (Ángela de Lima), Ricardo Pereira (Alberto de Magallanes), Clotilde Hesme (Elisa de Montfort), Afonso Pimentel (Pedro da Silva), Albano Jerónimo (conde de Santa Bárbara), João Baptista, Léa Seydoux (Blanche de Montfort), Melvil Poupaud (coronel Ernest Lacroze). Guion: Carlos Saboga; basado en la novela homónima de Camilo Castelo Branco. Producción: Paulo Branco. Música: Jorge Arriaga y Luis Freitas Branco. Fotografía: André Szankowski. Montaje: Valéria Sarmiento y Carlos Madaleno. Dirección artística: Isabel Branco. Distribuidora: Wanda Visión. Estreno en Portugal: 21 Octubre 2010. Estreno en España: 18 Marzo 2011. No recomendada para menores de 7 años.

"LA VIDA DE LOS PECES" DE MATÍAS BIZE

2011-04-06T12:33:00.000+02:00

Por ElEfectoKulechovPuntoCom.
"La vida de los peces" fue galardonada con el Goya a Mejor Película Hispanoamericana en la última edición de la Academia de Cine Española. Su director, Matías Bize, ya sorprendió con su anterior trabajo "En la cama" estrenado en España el 14 de julio de 2005. En "La vida de los peces" la acción se desarrolla en tiempo real, en la misma localización y en un tiempo narrativo único: “Es un drama que habla de oportunidades perdidas, viejos amigos y del gran amor de nuestra vida. Mi idea era contar la historia tan simple como fuera posible y seguir al protagonista a través de su proceso. Quería contar la historia de una manera emocional, utilizando la cámara para penetrar profundamente en los personajes” (Matías Bize)

Sinopsis:
Andrés vive en Alemania desde hace 10 años. Regresa a Chile para cerrar su pasado antes de asentarse definitivamente en Berlín. En su estancia, asiste a la fiesta de cumpleaños de uno de sus amigos, donde redescubre todo un mundo que dejó de ver, incluida Beatriz, su gran amor. Este reencuentro puede cambiar la vida de Andrés para siempre.

Ficha Técnica:
Película: La vida de los peces. Dirección: Matías Bize. Países: Chile y Francia. Año: 2010. Duración: 84 min. Género: Drama. Interpretación: Santiago Cabrera (Andrés), Blanca Lewin (Beatriz), Antonia Zegers (Mariana), Víctor Montero (Pablo), Sebastián Layseca (Ignacio), Juan Pablo Miranda (Roberto), Luz Jiménez (Guille), María Gracia Omegna (Caro), Alicia Rodríguez (Daniela), Diego Fontecilla (Jorge). Guion: Julio Rojas y Matías Bize. Producción: Adrián Solar. Música: Diego Fontecilla. Fotografía: Bárbara Álvarez. Montaje: Javier Estévez. Dirección artística: Nicole Blanc. Distribuidora: Vértigo Films. Estreno en Chile: 10 Junio 2010. Estreno en España: 1 Abril 2011. No recomendada para menores de 7 años.

"EN UN MUNDO MEJOR" DE SUSANNE BIER

2011-04-05T17:35:00.000+02:00

Por ElEfectoKulechovPuntoCom vía LaButaca.net
El pasado 27 de febrero "En un mundo mejor" se llevaba la estuatilla dorada debajo del brazo de su directora Susanne Bier como Mejor Film de Habla no Inglesa. Esta directora danesa viene abalada por su anterior film "Cosas que perdimos en el fuego" que rodó junto a Benico del Toro y a Halle Berry y en donde ya apreciamos la sensibilidad con la que trata todo aquello que transforma en cine.
Susanne Bier, 15 de abril de 1960, Copenhague, Dinamarca.

Sinopsis:
Anton es médico y divide su tiempo entre una pequeña ciudad idílica en Dinamarca y su trabajo en un campo de refugiados en África. En estos dos mundos tan diferentes, él y su familia se enfrentan a conflictos que les empujan a escoger entre la venganza y el perdón. Anton y su esposa Marianne tienen dos hijos, están separados y consideran la posibilidad de divorciarse. El mayor de sus hijos, Elias, de diez años, sufre el constante bullying de unos compañeros hasta que otro chico le defiende, Christian. La madre de Christian ha fallecido recientemente de cáncer y Christian no ha superado la pérdida. Elias y Christian no tardan en estar muy unidos, pero Christian involucra a Elias en un peligroso acto de revancha que puede acarrear consecuencias trágicas, una situación que además de poner a prueba la amistad que los une, también pone en peligro varias vidas.

Ficha Técnica:
Película: En un mundo mejor. Título original: Hævnen. Dirección: Susanne Bier. País: Dinamarca. Año: 2010. Duración: 113 min. Género: Drama. Interpretación: Mikael Persbrandt (Anton), Trine Dyrholm (Marianne), Ulrich Thomsen (Claus), Markus Rygaard (Elias), William Jøhnk Nielsen (Christian), Bodil Jorgensen (director del colegio), Elsebeth Steentoft (Signe), Martin Buch (Niels), Anette Stovebaek (Hanne), Kim Bodnia (Lars). Guion: Anders Thomas Jensen; basado en un argumento de Susanne Bier y Anders Thomas Jensen. Producción: Sisse Graum Jørgensen. Música: Johan Söderqvist. Fotografía: Morten Søborg. Montaje: Pernille Bech Christensen y Morten Egholm. Diseño de producción: Peter Grant. Vestuario: Manon Rasmussen. Distribuidora: Golem. Estreno en Dinamarca: 26 Agosto 2010. Estreno en España: 1 Abril 2011. No recomendada para menores de 7 años.